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Luces de la Ciudad... Charles Chaplin y su escena descartada.

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Hoy viajamos en el tiempo. Nos montamos en nuestro particular DeLorean y señalamos en nuestra máquina el año 1931.
Este año uno de los mayores genios del cine, rodaba una de sus obras maestras, una genial película, una comedia romántica como pocas, la portentosa....
Luces de la Ciudad (City Lights) de Charles Chaplin.



En nuestra época llena de Batmans, Prometheus y 3D, no viene mal retroceder al pasado, a los orígenes del cine y comprobar que existen muchas películas maravillosas. Sí son en blanco y negro y mudas, pero os aseguro que algunas le dan mil vueltas a muchas de las producciones actuales.

En este caso el gran Chaplin, realiza una de sus películas más inolvidables. Un director, actor, guionista, músico, etc, en definitiva un gran artista con grandísimas obras.
Siempre fue revolucionario. En este caso, y en ese año, el público estaba entusiasmado con la llegada del sonoro, pero Chaplin, siguió apostando por esa clase de cine para realizar esta Obra Maestra



"City Lights" es la que más me gusta de toda su obra y eso quiere decir mucho. En la cima de su carrera, Chaplin demostró a todos, público, crítica e industria, que todavía el cine mudo era el gran cine. Muchos de sus colegas ya rodaban en el sonoro, incluso otro genio como Buster Keaton ya se había pasado al gran descubrimiento. 

En esta película asistimos a una técnica y planteamiento excepcional.

Son muchas las escenas prodigiosas, en donde comprobamos la mano de un maestro y de un verdadero genio. 

Debajo de la aparente sencillez mostrada en cada una de sus imágenes, se esconde un trabajo muy organizado y sobre todo rebosante de talento.

 


No voy ha comentar las muchas virtudes de esta famosísima película porque se ha escrito mucho, y bien de ella, solamente quiero decir, que para el que no la haya visto (inconcebible!) se está perdiendo un prodigio de emoción. Desde la primera imagen, hasta el bellísimo, emocionante y sobrecogedor final de el vagabundo y la violetera, Chaplin nos hace reír y llorar.

Es un alegato a favor de la imagen. Comprobamos como el diálogo no es tan necesario, si con tan grandes imágenes, escenas y secuencias podemos realizar un verdadero prodigio. Es decir, la emoción a través de la imagen



Existe un pequeño fragmento eliminado del montaje final de la película. Son siete minutos de puro deleite, y que visto ahora ha quedado como un pequeño corto excepcional. No hace falta integrarlo en la película ya que por sí solo tiene vida propia. 
La secuencia es muy sencilla, Charlot se detiene junto a un escaparate en una avenida repleta de gente e intenta introducir un trozo de madera por una rejilla. 
Es realmente portentoso como Chaplin construye esta secuencia. Vemos los intentos en vano del vagabundo en conseguir su reto. Pasan los minutos y a ese momento se van uniendo varios personajes que pasan por allí.
¡El "puñetero" trozo de madera no hay manera humana de que caiga por la rejilla!
Curiosos, gente de todo tipo, un empleado algo peculiar, e incluso el mismo escaparatista que le da la formula de como introducirlo... Y como no el inoportuno policía "toca pelotas".

Esta secuencia está incluida en el DVD de la película. Pero para todo aquel que no la haya visto, o que quiera volver a verla y disfrutar de ella, aquí esta:



Una pieza maestra, un curso de cine de siete minutos.

Dominio del lenguaje cinematográfico. Que tomen nota los que quieran dedicarse a este arte. 

¡Esto es cine señores!











Al rojo vivo... James Cagney, Top of the World

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Calor que hace mi arma! Como pega manolo! Hace un calor de pelotas! Se me fríen las neuronas! Ozú que caló!

Vamos que estos días fresquito, fresquito no hace. Estamos en pleno verano y se nota. Que se lo digan a nuestra amiga Mara que seguro puede freír un par de huevitos en la calle Sierpes. 

Lo que más apetece es una bañera llena de hielos como en la estupenda "Fuego en el Cuerpo" ("Body Heat" 1981). Y si está dentro aquella sensual Kathleen Turner, mejor...

El caso es, que similitud con las expresiones citadas, tenemos una película extraordinaria, un clásico del cine negro, de gangsters, de uno de los grandes maestros... "Al rojo vivo" ("White Heat") de Raoul Walsh.



"Al rojo vivo" (1949), aparte de ser una de las películas de mi infancia y a la que la tengo mucho cariño, es una portentosa muestra del talento de su director.
Dura, violenta, es una descarnada visión de los últimos días de un gangster, interpretado brillantemente por el gran James Cagney.
El personaje de Cody Jarret, es todo un icono del cine. Un tipo obsesionado con el poder, con problemas psicológicos, sádico, celoso y sobre todo afectado por un descomunal complejo de Edipo.
Cagney realizó este papel rondando los cincuenta años. Este hecho todavía agrava más el tono amargo y crepuscular de este inolvidable gangster. Un tipo que tiene los días contados, anclado en un tiempo que no le pertenece, en una sociedad en la que no tiene sitio. 
Por cierto, la Academia obvió una vez más una interpretación magistral, seguramente su personaje era muy complicado para esa época.... 


Llena de grandes momentos, por ejemplo es excepcional como Cody logra salvar prácticamente todos sus problemas, tanto con la policía, como con su banda e incluso con su mujer la guapísima Virginia Mayo. Una actriz, que no se limita a ser una mera presencia, aquí interpreta muy bien a la sufrida esposa de Cody, en un personaje también bastante ambiguo, desde ser muy cariñosa hasta planear su traición.
Por cierto en otra de las obras maestras de Walsh "Colorado Territory", Virginia Mayo estaba increíble. Un western absolutamente recomendable


Un gran momento de tensión es, cuando Cody recibe la dura noticia que todos conocemos. Impresionante la rabia y violencia que nos muestra. Le convierte en un puro animal feroz y sanguinario.

Walsh uno de los grandes (por cierto otro tuerto más, que tendrán estos directores que son tan buenos!), rueda de forma magistral.
Enérgico, con mucho brío, un director con mucha fuerza en sus imágenes. En esta ocasión, plantea una acción y puesta en escena excelente, seca, con los medios más escuetos y necesarios para contar esta historia. 
Las casas en donde se reunen Jarret y su banda, encerrados para planear el siguiente golpe, chocan con esos escenarios campestres tan desolados.
Es curiosa la ambientación policial. Walsh recrea con gran minuciosidad todo el trabajo de investigación realizado. Vemos escenas que rozan el documental.
Incluso los momentos en la cárcel son de una veracidad realmente envidiables.

A todo ello se une una brillante fotografía en blanco y negro de Sid Hickox, que acentúa más el ambiente sombrío de esta historia. 


Imprescindible en la película es el gran retrato psicológico de sus diferentes personajes.
Desde un ambiguo policía encarnado excelentemente por Edmon O´Brien, hasta Codyel gran personaje de la película. Impresionante retrato de un gangster martirizado con innumerables jaquecas, con una estrecha relación con su sobreprotectora madre, y sobre todo con una imagen final inolvidable. Un momento terrible, en el cual Cody, rodeado de llamas, y en una imaginaria cima del mundo, grita sus más famosas palabras.

 "Made it, Ma! Top of the world!"
 "(Lo conseguí mamá, he alcanzado la cima del mundo!)"




Como es habitual en Walsh, la película no da respiro. Frenética, con un ritmo de la acción excelente, se ve en un suspiro, y sobre todo disfrutamos de una de las más grandes en su género.

Me río de nuestra época y de las películas llamadas violentas, eso es que no han visto a Cody Jarret! Esos disparos al maletero del coche... terrible!












C.R.A.Z.Y. - La busqueda del amor-

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Bueno, me retiro unos días. Dejo aparcado el ordenador, así que a la vuelta os daré un poco más de guerra y tendré que ponerme al día con vuestras entradas.
Me espera mi paraíso en un pequeño rincón del Sur. Necesito el mar.
Para los que somos "de secano" y del interior, el mar nos abre un universo nuevo de relajación, de reflexión, y por qué no, de olas y algún buen chiringuito.

De cara a estos días, compruebo que el panorama de estrenos sigue estando muy flojito. Interesante tenemos "Hara-kiri" del prolífico y desigual Takashi Miike. También nos esperan los nuevos "Mercenarios" de Stallone y Cía. La primera era una gamberrada total que estaba muy entretenida.

Nos vendrá una de las últimas de Zhang Yimou, el que fuera un magnífico director, recupera en parte, ese buen pulso de sus mejores obras. "Amor bajo el espino blanco" es una buena película.

Por cierto, la que no recomiendo en absoluto es "Ted". Menudo bodrio que nos han metido. Es muy mala. La historia del osito es muy, muy aburrida.

Y como curiosidades una película de acción noruega "Headhunters" y "Café de Flore" de Jean-Marc Vallée, aquel director que realizó la estupenda "C.R.A.Z.Y".
Y que mejor momento para recordarla ....

"C.R.A.Z.Y." (2005)



La historia de Zach (Marc-André Grondin) el favorito de una familia católica y conservadora.
Sus tendencias sexuales llegaran a ser un problema entre sus hermanos y sobre todo con su padre (Michel Côté). Un chico confundido, en busca de su propia identidad.

 Un viaje iniciático a lo largo de los años lleno de amor, sentimientos, drogas y música. 

Esta pequeña producción canadiense fue toda una sorpresa en ese año. Una película con rostros desconocidos, de la que nadie sabía nada, pero que fue labrándose un hueco en nuestra difícil cartelera.

Estupendo drama sobre la adolescencia. Los 60 y 70 retratados de manera ejemplar, con una banda sonora excelente.

"Desde que tengo memoria, siempre he odiado la Navidad"



"Crazy" es el título de una canción de Patsy Cline. Fundamental en la película, está presente durante todo el metraje. A esta cantante le acompañan artistas del calibre de David Bowie, Pink Floyd , The Rolling Stones o  The Cure.

Una historia muy bien contada, inteligente y sensible, con un guión francamente bueno. El director afronta una historia sobre el amor y las relaciones humanas.
Mezcla de religión, costumbrismo, sexualidad, en donde los personajes (estupendos todos ellos) sufren, ríen, lloran, aman, es decir como la vida misma.

 "A veces me pregunto qué hacemos rezándole a un melenas que se pasa el día de garbeo con una panda de tíos vestidos con faldas, es sospechoso"

El director establece un triángulo entre Zach y sus padres. La madre que le quiere y que tiene una relación especial con él. Y luego está la figura de su padre, y su amor interno y rechazo externo.

Un cuarto personaje que sería el amor. Imprescindible en la vida de Zach, y en su búsqueda.

Rodada de manera sencilla, se nota en el desarrollo de sus escenas. El fluir de la historia es lo importante. Posee una sensibilidad preciosa, nada cargante, con un tema que bien podría haber sido todo un dramón, pero que el director logra sacar adelante de forma excelente.




Las canciones elegidas es otro punto fuerte. En cada una de sus imágenes están muy bien escogidas y hacen un conjunto que funciona a la perfección.

Son muchos los grandes momentos, desde "Space Oddity" hasta una divertida levitación en plena iglesia con "Simpathy for the devil".



Os dejo con algún momento de la película y su gran banda sonora, que por cierto, gran parte del presupuesto fue destinado a pagar los derechos de autor.

 "Ground Control to Major Tom..."











Loca, estoy loca de sentirme tan sola.
Estoy loca, loca por sentirme tan triste.
Sabía que me amarías el tiempo que quisieras.
Y que algún día me dejarías por alguien nuevo
Preocupada, por qué he de preocuparme?
Preguntándome qué fue lo que hice yo?
Loca por creer que mi amor podría apresarte.
Estoy loca por intentarlo y loca por llorar.
Y estoy loca por amarte.
Loca por creer que mi amor podría retenerte.
Estoy loca por intentarlo y loca por llorar.
Y estoy loca por amarte.






Headhunters.... frio y negro thriller noruego.

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Acaba el verano y os quiero recomendar una película que puede pasar desapercibida en nuestras pantallas. Además, que luego pasa lo de siempre, el boca-oreja se pone en funcionamiento y cuando queremos verla ya no está y tenemos que recurrir a otros métodos.
 
Se trata de una película noruega, sí, sí, del país de los fiordos.
Poco o casi nada nos ha ofrecido este país en el cine. Recuerdo por los años ochenta un relativo éxito de "Pathfinder, el guía del desfiladero" (1987), luego "Insomnia" (1997) que se recuperó gracias al remake de Christopher Nolan, y en estos últimos años "Factótum" (2005), la adaptación de la novela de Charles Bukowski con Mat Dillon al frente. 

En esta ocasión un tal Morten Tyldum dirige una película que mezcla las imágenes y el clima frío de este país, con la más negrura del mejor thriller, se trata de "Headhunters"




Un reputado cazatalentos ("headhunter")se dedica a elegir al mejor candidato posible para dirigir ciertas empresas.
Viviendo por encima de sus posibilidades, posee todo lo que desea, una bella esposa, una estupenda casa, todo tipo de lujos, etc. La razón de todo esto es su "otra vida",... se dedica a robar obras de arte. 
Pero la aparición de una nueva persona en la inauguración de la galería de arte de su mujer, hará que todo su mundo se tambalee, entrando en una espiral de violencia, engaños y un particular descenso a los infiernos. 

Hay que decir, que sin ser una gran película, esta hábil propuesta noruega se deja ver muy bien. Te atrapa desde el principio, es muy entretenida y en muchos momentos trepidante

Sus actores cumplen en todo momento, el principal de ellos Aksel Hennie (el rubio) realiza una interpretación estupenda, su personaje con un perfil psicológico muy claro, acomplejado por su estatura, es lo mejor de la película.

Como contrapartida, está el más famoso, Nikolaj Coster-Waldau, al que hemos visto recientemente en "Blakthorn" (2011), o en la serie "Juego de Tronos" (2011).




La trama es intensa, cierto que con algunos fallos de guión e incluso con escenas inverosímiles, pero es tal la habilidad por parte del director para crear este ambiente tan angustioso e incluso cruel, que se lo podemos perdonar.
 
Seguramente, su complaciente final sea lo que haga que no alcance una redondez total, y es una lástima porque durante todo su metraje la película nos ha tenido pegados a la butaca.

En este boom de literatura negra que nos ha llegado desde el frío nórdico, hemos tenido de todo, desde estupendas propuestas, hasta historias realmente malas.
En esta ocasión es una estimulante y atractiva muestra de este thriller negro y tan luminoso que solo puede venir de estos países

Es curioso, pero en algunas ocasiones me ha recordado al mejor cine coreano. Su acción y su violencia nos puede transportar al lejano país asiático. 

Hay algunas escenas para el recuerdo. Desde la desagradable y escatológica fuga de nuestro protagonista, ahora sabemos para que vale el cilindro de cartón del papel higiénico, hasta la mejor de toda la película, cuando en ese frío paraje junto al río, desnudo, se afeita literalmente la cabeza. Terrible ver como con esa cuchilla y en seco se libra de sus larga cabellera rubia. La imagen es realmente brutal, duele y mucho

Por no hablar del perro empalado... la asociación defensora de los animales no estará muy contenta. 



Intensa, violenta, cínica, divertida, incómoda, un atractivo entretenimiento, que seguro en USA preparan ya el remake. 










My Sassy Girl... y el kimchi coreano.

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La primera vez que probé el kimchi, me sucedió lo mismo que con esta maravillosa película. Al principio su sabor me dejó algo descolocado, pero a medida que lo seguía comiendo, me iba gustando más, mucho más. Hasta el extremo de no poder parar y llegar a una conclusión, el kimchi me encanta y es adictivo. Algo parecido pasa con esta chica "descarada". 



Pero alguno se preguntará, ¿que es el kimchi?. Pues vamos a allá.
El kimchi es posiblemente el plato coreano más famoso. Es un alimento indispensable en su día a día.
Su sabor es inconfundible, potente, salado y picante. Y encima tiene un olor bastante fuerte. Me preguntaréis como puede gustar tanto... porque está buenísimo.

Además también es conocido por ser uno de los alimentos más beneficiosos para nuestra salud. Nos ayuda a poseer más defensas y es un excelente antioxidante para eliminar el colesterol.

El kimchi no es un plato principal. Sirve de acompañante a muchos otros, e incluso como ingrediente de otras preparaciones, por ejemplo sopa de kimchi.

Un ingrediente básico: la col china. A partir de aquí se adereza con chiles, ajos, jengibre, azúcar, etc. 
El proceso es una fermentación que dura unos veinte días. El olor en estos días es bastante fuerte, incluso podemos llegar a pensar que se ha estropeado. Para nada, ya que finalmente comprobaremos que el resultado es muy bueno. 
También se puede hacer con otros ingredientes como nabo o pepino. 
Hacerlo en casa no es nada fácil, lo mejor es probarlo en algún estupendo restaurante coreano de los que escasean en nuestro país. Si tenéis ocasión no dejéis de pasaros por aquí 

Pues igual de adictiva y maravillosa es la película que os recomiendo hoy.... "My Sassy Girl" (2001)



Lo primero, que a alguno le hará salir corriendo,... es una comedia romántica.  Pero ojo, quedaros quietos porque no es una tontería made in USA. Estamos ante una película original, fresca, divertida y emocionante


La historia es sencilla y universal, chico conoce a chica, la cual es algo diferente, descarada, borracha y bruta, pero también con un encanto especial. 

La película fue un éxito en Corea, liderando la listas de las más vistas durante muchas semanas. Como es lógico esto no pasó desapercibido para la gran industria USA y en el 2008 tuvo su remake. No lo he visto y no creo que lo vea, me estropearía todo el encanto de la original. 


"My Sassy Girl" está divida en 3 partes. Primera, segunda y prórroga. 
En la primera asistimos al encuentro de nuestros personajes y a una comedia llena de situaciones ridículas, en donde el chico descubre el carácter de la chica. En las dos siguientes, la película avanza cambiando el registro para ser más romántica y emocionante. La última hora es maravillosa con momentos realmente sublimes. 



Una historia, una comedia adolescente, que huye de los principales errores de todas las demás. Aquí tenemos un guión fresco, divertido, que exagera en muchas ocasiones, que da mucha importancia a sus dos personajes, interpretados por dos estupendos jóvenes actores, sobre todo la chica,  realmente maravillosa.

Humor sencillo, que puede recordar hasta aquel "Humor amarillo", pero sobre todo una historia de amor diferente, bella, sin caer en lo cursi ni en lo azucarado. Como curiosidad en las casi dos horas y media de duración no vemos ni un solo beso entre la pareja protagonista,.

Chica: "¿Sabes por qué el cielo es azul?"
Chico: "Por el reflejo de la luz del sol"
Chica: " No. - Es por mí. Yo quiero que sea azul"



Como espectadores, asistimos a situaciones oníricas y alucinantes. Nos podemos encontrar con borracheras inolvidables, con samurais, con el mismísimo ejercito, y sobre todo con multitud de bofetadas, las que le propina ella al chico protagonista. Impagable la escena del metro con el ejercito cambiando el paso. 
El chico acepta todas con resignación. Genial la frase de ella casi al final diciéndole que las tiene que esquivar. 

Chica mala, chico bueno. Una fábula de amor maravillosa. 


Pero no todo van a ser golpes, también tiene sus escenas de amor. La entrada de él, rosa en mano, mientras ella toca en clase el Canon de Pachelbel, todas las de el árbol, etc. Muy emocionantes. 

Me parece admirable como la cinematografía asiática y en especial la coreana, sabe hacer este tipo de películas llenas de situaciones grotescas, pero que nunca llegan a caer en el ridículo. En otras manos y países serían películas infumables, pero aquí resultan especiales y deliciosas.
El cine romántico de estos países es realmente especial, historias contadas de otra manera, diferentes y originales, de una gran belleza. 


"Algún día conoceré a un hombre en el futuro"


Otro aspecto destacable es la magnífica música de Hyun-seok Kim acompañado del Canon de Pachelbel y de algunos éxitos de los sesenta como "My girl" de The Temptatioms.





Lo mejor:
La última hora final y la actriz Ji-hyun Jun

Lo peor:
Que el principio pueda llegar a confundir con otra comedia más.                     


¿Quieres morir?.. pues la tienes que ver.


Aquí os la dejo completa y con subtítulos. Que la disfrutéis...



"El destino es construir un puente de posibilidades para alguien que amas" 








Tony Scott......Revenge, palabras mayores.

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Me enteré de la muerte de Tony Scott de pura casualidad. Estaba de vacaciones, sin internet y prácticamente sin televisión. Pero en uno de esos momentos en que por alguna extraña razón apretamos el mando a distancia, me encontré con la noticia. ¡El hermano de Ridley se había tirado por un puente! 
Que "sanbenito" tuvo que aguantar con lo del hermano. En los últimos años, ya ante los desastres de Ridley, paso a ser el bueno de la familia. La crítica le respaldó mucho más y se hizo un hueco que le ha durado poco. 

Tony Scott, ha hecho de todo, películas buenas, regulares y malas. Pero sobre todo ha hecho ganar bastante dinero a la industria. 
Cuando estaba se le criticaba. Que si películas de acción que no aportan nada, que si estilo de vídeo clip, etc. Pero seguro que ahora que no está, algo de menos se le echará. Posiblemente era el mejor en su estilo. Grandes éxitos, acción, cine de palomitas, etc. 

A mi hay unas cuantas que me gustan y alguna mucho. Además, como parece que no me gusta el cine USA, con esta entrada lo aclaro. Crecí con los grandes clásicos, imposible vivir sin ellos. El cine americano es el cine con mayúsculas, el mejor.

De este criticado director hay mucho blockbuster, sí, pero algunos son muy entretenidos.
Este es mi Top Tony:
"El fuego de la venganza" (2004); "Marea Roja"(1995); "Amor a quemarropa" (True Romance) (1993); "El último boy scout" (1991); y sobre todo una magnífica película, la mejor que realizó...... "Revenge" (1990) 




¡Cuanto me gusta esta película! Creo que resume a la perfección el poderío visual de su director. Lírica y emocionante como pocas.
 
La historia de amistad y venganza entre un piloto de la marina (Kevin Costner), y su amigo, un capo de la mafia (Anthony Quinn).
Y si entre medias está la esposa de este último, la guapísima Madeleine Stowe, pues pasa lo que tenía que pasar. 

La primera parte de la película, nos cuenta el encuentro entre los dos amigos y sobre asistimos al romance entre Costner y Stowe. Bien rodado, con alguna escena demasiado "acaramelada" se ve bien. Pero lo mejor de la película está por llegar, todo lo demás, la brutal paliza, la venganza, etc, es de lo mejor que he visto en el cine moderno.

Posee una épica increíble, un ambientación sensacional, momentos emocionantes, brutales, amor, acción, drama, etc, y un final extraordinario.  

Esta parte de la película es la que un director se ha acercado más al lirismo y violencia del gran Sam Peckimpah.




Se dice que John Houston estaba interesado en rodarla, tenía todos los alicientes para el gran director, un buen papel masculino, derrotado, ambientación mejicana, acción, etc.
Está basada en una novela de Jim Harrison, colaborando el mismo escritor en el guión.
Los actores están todos muy bien, aclararé que a mi me gusta Kevin Costner, un actor muy maltratado que todavía desconozco la razón.
Anda también por aquí Miguel Ferrer, este secundario que hemos visto muchas veces y que siempre cumple. 

Madeleine Stowe está bellísima. Una actriz que descubrí en aquel "Procedimiento ilegal" (1987) de John Badham, que tiene una carrera irregular, en donde su cima fue la maravillosa "El último mohicano" (1992) de Michael Mann.
Una lástima la desigual carrera de esta actriz, su última gran película es "12 monos" (1995) de Terry Gilliam

"Es la clase de mujer, por la que un hombre haría cualquier cosa por conservarla" 

 
De Anthony Quinn, poco que decir, un gran actor, una presencia descomunal.

La música cumple bien a cargo de Jack Nitzsche, aunque algún tema mejicano desentone en el conjunto. Destaca la extraordinaria fotografía de Jeffrey Kimball, que luego colaboraría también con Scott en la estupenda "True Romance", aquí

"Revenge" no es de las más conocida de su director, incluso es de las peores en recaudación de su carrera, tan solo 15 millones de dólares, tremendo.
Pero os aseguro que si os embarcáis en la venganza de Cochran no os defraudará.



Lo mejor:
La lírica y emocionante venganza, y su inolvidable, desgarrador y atípico final. 

Lo peor:
Alguna ranchera que descoloca el tono dramático de la película, y que cierta crítica se "cebara" con ella. 


Un último apunte y un recuerdo especial ante este director, que hizo que todos, adolescentes de aquella época, quisiéramos ser Maverick y que nos enamoráramos de Kevin McGillis. Aunque luego descubriéramos que "Top Gun" (1986) fuera bastante, bastante flojita. 

Tony Scott, un gran maestro pirotécnico, el hermano de Ridley, pero que también hizo algunas buenas películas. 


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Os dejo con un buen vídeo de la película. El que no la haya visto, abstenerse ya que es prácticamente la escena final. Los demás que lo disfruten...con los pelos de punta.








 








Perfect Blue... la gran obra de Satoshi Kon

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El pasado veinticuatro de agosto se han cumplido dos años de la muerte de Satoshi Kon. Algunos os preguntaréis, ¿quien es este tipo? Otros, a los que nos gusta y encanta el cine de animación, y sobre todo el que viene de Asia, la noticia nos entristeció mucho. Perdíamos a uno de los grandes.

El caso es, que en el estupendo blog amigo Cine con Alma, hace unos días se  preguntaba por cual era nuestra película de animación favorita. Ahí salieron rápidamente las obras maestras de Ghibli, incluso Pixar. La del blog era una de Satoshi Kon.
Aunque la he visto varias veces, reconozco que la tenía algo lejana, me gustaba mucho pero no llegaba a tal extremo de considerarla como la mejor. Ayer la volví a ver, y está claro, estamos ante una película asombrosa.
En 1998 Satoshi Kon rodaba su primera película, la mejor de todas ellas, una obra maestra extraordinaria......"Perfect Blue"




Basada en una novela de Yoshikazu Takeuchi, es un proyecto que le llegó de rebote. En principio la película no iba a ser animada, e incluso el propio director cuenta que modificó el guión porque la novela no le gustaba demasiado. 
El caso es que la obra resultante fue un total éxito de crítica y público, y no es para menos.
La historia de Mima, una cantante de J-Pop (japanese pop), que decide ser actriz. A partir de aquí comienza una historia de pesadilla, mezclando mundo real e imaginación.
Creo sin lugar a dudas que es uno de los mejores y más fascinantes guiones que he visto dentro del mundo de la animación

La película es aparentemente confusa, con distintas realidades, en donde predominan las alucinaciones de la protagonista.
Satoshi nos sumerge en su mente, nos cuenta con todo detalle el descenso a los infiernos de Mima.
¿Realidad o ficción? A lo largo de todo el metraje, llegamos a dudar de todo lo que vemos.
Una de sus tantas cualidades, es que todo está bien contado. En ningún momento es un follón, no nos perdemos en la trama, y además la película desemboca en un desenlace claro, en el cual todos los cabos sueltos son atados.



Se la puede considerar un thriller, un drama psicológico, una película de terror, incluso se permite licencias de escenas de alto contenido sexual. Aclararé que es animación para adultos.
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Historia de locura, de miedos, llena de violencia y emoción.

Importante también es la crítica ante ciertos aspectos del Japón actual, sobre todo el fenómeno de los ídolos y fans, y hasta que extremo pueden llegar. Comprobamos que el camino de las estrellas no está plagado de rosas. Ahí están sus managers y productores, dueños absolutos de estas "marionetas".
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"Perfect Blue" es un magistral juego de identidades y realidades, que se traduce en un certero final como colofón a una película redonda. 

No puedo dejar pasar por alto, otro aspecto importante, y es la influencia de la obra de Satoshi Kon, y sobre todo de esta película, en varios directores de renombre. Desde Christopher Nolan y su famoso "Origen", a (sobre todo) Darren Aronofsky, otro director que nos cuenta historias llenas de locura y pesadilla.
Darren compró los derechos de la película para hacer un remake, pero solo se quedó en el intento y tomó "prestado" alguna escena.
Quien haya visto esta película y "Cisne Negro" se dará cuenta de lo que comento. De momento el nombre de las protagonistas son muy parecidos, Mima y Nina. Y ambas historias tienen un paralelismo muy claro. Incluso ciertas escenas de la película de Aronofsky, son copias claras de la de Kon. Aquí os dejo una comparativa, ojo para el que no la haya visto, ya que contiene muchos spoilers.



Pero donde está claro, la copia, el homenaje o como se quiera llamar es en "Réquiem por un sueño", aquí os dejo la prueba. 




También ha sido comparado con David Lynch. Incluso descubrí esta película gracias a un comentario comparándola con el genio de Montana. A mi no me lo parece. Creo que el director japonés recreea un suspense más "normal", en el cual al final se atan los cabos, cosa que no sucede de forma clara con Lynch.
Como curiosidad, la reina del pop, Madonna, utilizó algunas imágenes de la película, para posteriormente proyectarlas en pantalla gigante durante su gira de conciertos del 2001.

Para el que no la haya visto la recomiendo y mucho. Asistiréis a un viaje alucinante al fondo de la mente.



Por cierto, ¿y el significado del título? "Perfect Blue"...
Os dejo con uno de los párrafos de la novela de Takeuchi:

 "Hay días perfectos, donde no llueve (o quizás si llueva) en los que se detiene el tiempo (o quizás no se detenga) y sin querer miraste al cielo y te diste cuenta, que era Azul Perfecto...."


Cuatro películas y una serie. Todas muy recomendables y espléndidas.

- "Perfect Blue" (1998)
- "Millennium Actress" (2001)
- "Tokyo Godfathers" (2003) (una versión de "Tres Padrinos" de J. Ford)
- "Paranoia Agent" TV (2004)
- "Paprika, detective de los sueños" (2006)


Por último y a modo de homenaje del gran maestro quiero dejar su último mensaje que nos dejó. Consciente de que el cáncer iba a acabar con su vida, dejó estas últimas y emocionantes notas:

 Sayonara (Adiós)

Cómo podría olvidar el 18 de mayo de este año.

Recibí el siguiente diagnóstico de un cardiólogo en el hospital de la Cruz Roja de Musashino.

"Es la última etapa del cáncer de páncreas. La metástasis llegó a muchos huesos. Le queda, a lo mucho, medio año de vida."

Mi esposa y yo escuchamos juntos. Era un destino tan inesperado e inaceptable que los dos apenas pudimos soportarlo.

Honestamente solía pensar que no podría evitar morir cualquiera de estos días. Sin embargo, fue tan repentino.

Para estar seguro, tuve algunas señales. Dos o tres meses antes de eso tuve fuertes dolores en varias zonas de la espalda y en las articulaciones de mis piernas; perdí fuerza en mi pierna derecha y me costaba trabajo caminar, y comencé a ir con un acupunturista y con un quiropráctico, pero nada mejoró. Así que después de que me hicieron resonancias magnéticas, tomografías y demás estudios avanzados, llegó de pronto el diagnóstico de cuánto tiempo me quedaba.

Era como si la muerte en persona se hubiera puesto justo detrás de mí antes de enterarme, y no había nada que pudiera hacer. Después del diagnóstico, mi esposa y yo investigamos cómo podía prolongar mi vida. Era, literalmente, una situación de vida o muerte. Recibimos apoyo de amigos incondicionales y aliados poderosos. Rechacé los medicamentos anticáncer, y traté de vivir con una perspectiva del mundo un poco diferente a la de la norma. El hecho de rechazar lo que supuestamente es normal, me parecía que era algo muy mío.

En realidad nunca sentí que pertenecía a la mayoría. Ni en asuntos de cuidados médicos ni en ninguna otra cosa. "¡Por qué no tratar de seguir viviendo de acuerdo con mis propios principios!" Sin embargo, al momento de crear una obra [una película], la fuerza de voluntad no bastaba para realizar el trabajo. La enfermedad avanzaba día tras día.

Por otro lado, como miembro de la sociedad, acepto al menos la mitad de lo que la sociedad en general considera correcto. Pago impuestos. Estoy lejos de ser un ciudadano ejemplar, pero soy del todo un miembro de la sociedad japonesa. Así que, exceptuando las cosas que necesitaba, desde mi punto de vista, para prolongar mi vida, también intenté hacer todo lo necesario para "prepararme para morir con propiedad". Aunque creo que no lo hice tan bien. (Pero) una de las cosas que hice fue, con la cooperación de dos amigos en los que podía confiar, armar una compañía para que se encargara de cosas como el insignificante número de obras con derechos de autor que poseo. Otra cosa que hice fue asegurarme de que mi esposa recibiera las modestas pertenencias que tengo al escribir un testamento. Desde luego, no creo que alguien peleara por mi legado ni nada de eso, pero quería estar seguro de que mi esposa, quien permaneció a mi lado en este mundo, no tuviera nada de qué preocuparse; además quería quitarle el peso de encima a aquél que daría ese saltito, a mí, antes de que partiera.

El papeleo e investigación necesarios para estas tareas, para el que ni mi esposa ni yo somos buenos, corrió a cargo rápidamente de mis maravillosos amigos. Después, cuando me dio neumonía y estaba a las puertas de la muerte, y puse mi firma final en el testamento, pensé que si moría justo en ese momento ya nada se podía hacer para evitarlo.

"Ah... puedo morir al fin."

Después de todo, me llevaron en ambulancia al hospital de la Cruz Roja de Musashino dos días antes de eso; luego me trajeron de regreso al mismo hospital en ambulancia al día siguiente. Hasta tuve que ser hospitalizado y me hicieron muchas revisiones. Los resultados de esos exámenes: neumonía, agua en mi pecho y, cuando le pregunté directamente al doctor, la respuesta que recibí fue muy seca, y de alguna manera se lo agradecí.

"Usted va a vivir uno o dos días más... y si llegara a salvarse de ésta, probablemente no vivirá más allá de fin de mes."

Mientras escuchaba, pensé, "es como si me estuviera dando el pronóstico del tiempo", pero aún así la situación era espantosa. Eso fue el 7 de julio. Fue un Tanabata brutal, sin duda.

Así que decidí ahí mismo.

Quiero morirme en mi casa.

Quizá le causé problemas a mi gente, pero les pedí que vieran cómo podría escapar y volver a casa. [Logré huir] gracias a los esfuerzos de mi esposa, la cooperación del hospital pese a su posición de darse por vencidos conmigo, a la tremenda ayuda de otras instituciones médicas y a las coincidencias, que fueron tantas, que parecían regalos del cielo. Nunca había visto que tantas coincidencias y sucesos se acomodaran de manera tan fina en la vida real; apenas podía creerlo. Esto no era "Tokyo Godfathers", después de todo. Mientras mi esposa corría de aquí para allá arreglando mi escape, yo le suplicaba a los doctores "¡si pudiera ir a casa aunque sea medio día, todavía podría hacer cosas!", para después esperar a la muerte a solas, en una deprimente habitación de hospital. Estaba solo, pero esto era lo que pensaba.

"Tal vez morir no sea tan malo."

No tenía razones para ello, y tal vez necesitaba pensar así, pero sorprendentemente me sentía calmado y relajado.

Sin embargo, sólo había una cosa que me molestaba.

"No quiero morir aquí..."

Mientras pensaba eso, algo se movió del calendario de la pared y comenzó a esparcirse por la habitación.

"Oh, no, una línea marchando fuera del calendario. Mis alucinaciones no eran del todo originales."

Tuve que sonreír ante el hecho de que mi instinto profesional seguía trabajando aún en momentos como este, pero de cualquier manera probablemente estaba en el punto más cercano a la tierra de la muerte de lo que había estado hasta ese punto. Realmente sentí muy cerca de mí a la muerte. Con la ayuda de mucha gente, milagrosamente escapé de la Cruz Roja de Musashino y volví a casa, envuelto en la tierra de la muerte y sábanas.

Debería hacer hincapié en que no tengo malas críticas ni odio contra el hospital de la Cruz Roja de Musashino, así que no me mal interpreten.

Sólo quería ir a mi casa, a mi propio hogar. La casa donde vivo.

Me sorprendió un poco que, mientras me llevaban a la sala, como un bono, tuve esa experiencia de lecho de muerte con la que todos están familiarizados; ésa de "ver desde arriba cómo trasladan tu cuerpo a la habitación". Me miraba desde arriba a mí mismo y a la escena a mi alrededor desde una posición muy alejada del suelo, a través de un lente gran angular y destelleante. El cuadrado de la cama a la mitad de la habitación parecía grande y prominente, y mi cuerpo envuelto en sábanas era bajado a la mitad del cuadrado. Sin mucho cuidado, pero no me quejo.

Así que lo único que tenía que hacer era esperar a la muerte en mi propio hogar.

Sin embargo, logré superar la neumonía.

¿Eh?

Más o menos esto fue lo que pensé.

"¡Ni siquiera soy bueno para morir! (me reí)."

Después de eso, cuando no podía pensar en nada más que en la muerte, pensé que en realidad había muerto en aquella ocasión. En mi cabeza, la palabra 'renacer' apareció muchas veces.

Sorprendentemente, después de eso mi fuerza vital se rejuveneció. Desde el fondo de mi corazón, creo que fue gracias a la gente que me ayudó; primero que nada mi esposa, mis amigos comprensivos, los doctores y las enfermeras.

Ahora que mi fuerza vital se ha reestablecido, no podría desperdiciar mi tiempo. Me dije que me habían dado una vida extra y que tenía que usarla con cuidado. Así que pensé que quería borrar al menos una de las irresponsabilidades que había dejado en este mundo.

Para ser honesto, sólo le dije lo del cáncer a las personas cercanas a mí. Ni siquiera le dije a mis padres. En particular, por varias complicaciones laborales, no podía decirle nada a la gente, aún si hubiera querido hacerlo. Quería anunciar mi cáncer en Internet y reportar lo de mi poco tiempo de vida, pero si la muerte de Satoshi se hubiera calendarizado, se habrían creado olas, aunque fueran pequeñas. Por esa razón actué de manera irresponsable con la gente. Estoy muy apenado.

Había tanta gente a quien quería ver antes de morir, aunque sea para darles las gracias. Familia y parientes, viejos amigos y compañeros de la primaria, secundaria y preparatoria; a los amigos de la universidad, a la gente que conocí en el mundo del manga, de quienes tuve mucha inspiración; la gente del mundo del anime que se sentaba a mi lado, con quienes iba a beber, con quienes competía por los mismos trabajos; los colegas con quienes compartí buenos y malos momentos. La cantidad infinita de gente a quienes pude conocer debido a mi posición como director de cine; a las personas que se hacían llamar mis admiradores, no sólo en Japón sino en todo el mundo; a los amigos que hice por Internet.

Hay mucha gente que quiero que ver al menos una vez (bueno, también hay gente a quien no quiero ver), pero si los viera, tengo miedo de que el pensamiento de "no volveré a ver a esta persona otra vez" me invada, y que eso provoque que no tenga una muerte tranquila. Aunque me recuperé, me queda muy poca energía vital, y se necesita mucho esfuerzo para ver a las personas. Entre más personas me querían ver, más difícil era para mí verlas. Qué ironía. Además, la parte inferior de mi cuerpo estaba paralizada, por el cáncer que había invadido mis huesos, y estaba echado en mi cama; no quería que la gente viera mi cuerpo escuálido. Quería que la mayoría de la gente que conocí me recordara como el Satoshi que estaba lleno de vida.

Me gustaría usar este espacio para disculparme con mis parientes, amigos y conocidos por no decirles sobre mi cáncer, por mi irresponsabilidad. Por favor, comprendan que éste fue un deseo egoísta de Satoshi. Es decir, Satoshi Kon fue "esa clase de sujeto". Cuando imagino sus rostros, sólo tengo buenos recuerdos de sus sonrisas. A todos, gracias por todos esos grandes recuerdos. Amé el mundo en el que viví. Sólo pensar en eso me hace feliz.

Toda la gente que conocí a lo largo de mi vida, de manera positiva o negativa, ayudó a moldear al ser humano que es Satoshi Kon, y estoy muy agradecido por esos encuentros. Aún si el resultado final es una muerte prematura a mis cuarenta y tantos, acepto esto como mi propio y único destino. Después de todo, me pasaron muchas cosas positivas.

Esto es lo que pienso ahora sobre la muerte. "Sólo puedo decir que es muy mala." En verdad.

Sin embargo, aunque pudiera liberarme de muchas de mis acciones irresponsables [eso de no decirle a la gente], no puedo evitar arrepentirme de dos cosas. Sobre mis padres y sobre el fundador de Madhouse, el señor [Masao] Maruyama.

Aunque ya era tarde, no había otra opción más que revelar toda la verdad. Quería rogarles que me perdonaran.

Tan pronto como vi el rostro del señor Maruyama cuando vino a verme a mi casa, no pude detener mis lágrimas ni mi vergüenza. "Estoy muy apenado por terminar así..." El señor Maruyama no dijo nada, sólo negaba con la cabeza y apretaba mis manos. Estaba muy agradecido. Como una avalancha, llegaron a mí sentimientos de gratitud y regocijo por haber tenido la suerte de trabajar con esta persona. Tal vez sea egoísta, pero sentí como si hubiera sido perdonado en ese instante.

Mi más grande arrepentimiento es la película La máquina que sueña. Estoy preocupado no sólo sobre la película misma, sino por las personas con las que trabajé para ello. Después de todo, existe una gran posibilidad de que los libretos que creamos con sangre, sudor y lágrimas, nunca sean vistos. Esto es porque Satoshi Kon metió mano en la historia original, el guión, los personajes, los escenarios, los bocetos, la música... en cada una de las imágenes. Desde luego, hay cosas que compartí con el director de animación, el director de arte y otros miembros del equipo, pero básicamente la mayoría del trabajo sólo puede ser comprendida por Satoshi Kon. Es fácil decir que fue mi culpa por hacer las cosas de esa manera, pero desde mi punto de vista me esforcé lo más que pude para compartir mi visión con los demás. Sin embargo, en mi estado actual sólo puedo sentir un profundo remordimiento por mi inepcia en esas áreas. Estoy en verdad apenado con todo el equipo. Sin embargo, quiero que ellos entiendan, aunque sea un poco. Satoshi Kon era "esa clase de sujeto", y por eso fue capaz de hacer el anime desquiciado que era un poquito diferente. Sé que es una excusa egoísta, pero piensen en mi cáncer y perdónenme, por favor.

No he estado ociosamente esperando a la muerte; incluso ahora estoy pensando con mi débil cerebro alguna forma de que el trabajo siga vivo después de que me vaya. Pero son sólo ideas superficiales. Cuando le dije al señor Maruyama sobre mis preocupaciones acerca de La máquina que sueña, él sólo dijo, "no te preocupes. Ya se nos ocurrirá algo, así que no te preocupes".

Lloré.

Lloré incontrolablemente.

Hasta con mis películas anteriores, había sido muy irresponsable con las producciones y los presupuestos, pero siempre tuve al señor Maruyama para que lo solucionara por mí, al final.

Esta vez no fue diferente. En realidad no he cambiado.

Pude hablar abiertamente con el señor Maruyama. Gracias a esto fui capaz de sentir, al menos un poco, que los talentos y habilidades de Satoshi Kon tenían algo de valor en nuestra industria.

"Lamento perder tu talento. Ojalá pudieras dejárnoslo."

Si el señor Maruyama de Madhouse dice eso, puedo irme al otro mundo con un poco de orgullo, después de todo. Y, desde luego, aunque nadie más me lo diga, lamento que mis visiones raras y la habilidad para dibujar cosas con detalle se van a perder, pero no puedo hacer nada para evitarlo. Estoy agradecido desde el fondo de mi corazón porque el señor Maruyama me dio la oportunidad de mostrarle al mundo esas cosas. Gracias, muchas gracias. Satoshi Kon fue feliz como director de animación.

Fue desgarrador decirle a mis padres.

En verdad intenté ir a Sapporo, donde viven mis padres, mientras podía, pero mi enfermedad empeoró tan irritante e inesperadamente rápido que terminé por llamarles por teléfono desde la habitación del hospital mientras estaba cerca de morir.

"Estoy en la última etapa del cáncer y moriré pronto. Fui muy feliz por haber nacido como su hijo. Gracias."

Debió ser devastador escuchar esto de repente, pero estaba seguro de que iba a morir en aquel momento.

Pero luego regresé a casa y sobreviví a la neumonía. Tomé la gran decisión de ver a mis padres. Ellos querían verme también. Pero iba a ser muy difícil verlos, y no tenía la fuerza para hacerlo. Pero quería ver los rostros de mis padres por última vez. Quería decirles cuán agradecido estaba con ellos por haberme traído a este mundo.

He sido una persona feliz. Aunque debo disculparme con mi esposa, con mis padres y con toda la gente que amo, por vivir mi vida un poco más rápido que la mayoría.

Mis padres apoyaron mis deseos egoístas y llegaron desde Sapporo hasta mi casa al día siguiente. Nunca podré olvidar las primeras palabras que salieron de la boca de mi madre cuando me vió tumbado ahí.

"¡Perdóname por no haberte traído a este mundo con un cuerpo más fuerte!"

Me quedé mudo.

Sólo pude pasar poco tiempo con mis padres, pero fue suficiente. Sentía que con ver sus rostros sería suficiente, y así fue.

Gracias, padre, madre. Estoy tan feliz de haber nacido en este mundo como hijo de ustedes dos.

Mi corazón está lleno de recuerdos y gratitud. La felicidad como tal es importante, pero estoy agradecido de que ustedes me hayan enseñado a apreciar la felicidad. Muchísimas gracias.

Es muy irrespetuoso morir frente a los padres de uno, pero en los últimos diez años o más, pude hacer lo que quise como director de anime, alcanzar mis metas y obtener buenas reseñas. Lamento que mis películas no hayan ganado mucho dinero, pero creo que tuvieron lo merecido. En estos diez años o más en particular he sentido que he vivido más intensamente que otras personas, y creo que mis padres entendieron qué había en mi corazón.

Gracias a las visitas del señor Maruyama y mis padres, sentí como si me hubieran quitado un gran peso de encima.

Por último, a mi esposa, a quien más preocupo, pero quien ha sido mi apoyo hasta el final.

Desde el momento del diagnóstico, nos hemos ahogado juntos en lágrimas tantas veces. Cada día fue brutal para ambos, física y mentalmente. Casi no hay palabras para describirlo. Pero la razón de por qué fui capaz de sobrevivir ante esos días difíciles fueron las palabras que me dijiste justo después de que recibimos la noticia.

"Me quedaré a tu lado hasta el final."

Fiel a esas palabras, como si dejaras mis preocupaciones en el polvo, habilmente dirigiste las demandas y exigencias que llegaron a nosotros como una avalancha, y rápidamente aprendiste a cuidar de tu esposo. Me conmovió tanto ver cómo lidiabas con las cosas con tanta eficacia.

"Mi esposa es asombrosa."

¿Dices que no hay necesidad de decir eso ahora? No, no. Eres aún más asombrosa de lo que ya eras. En verdad puedo sentirlo. Aún después de mi muerte, pensaré que tú enviaste a Satoshi Kon al otro mundo con elegancia. Desde que nos casamos, estuve tan envuelto en el trabajo que fue hasta que me dio cáncer que pude pasar más tiempo en la casa; qué vergüenza.

Pero te quedaste cerca de mí, siempre entendiste que necesitaba zambullirme en mi trabajo, que mi talento estaba ahí. Gracias.

Hay tantas cosas, innumerables cosas que me preocupan, pero todo necesita un final. Por último, quisiera expresar mi profunda gratitud al Doctor H, quien accedió a verme al final en mi casa, aunque es algo que ya no se hace en estos días, y a su esposa y enfermera, la señora K.

Los cuidados médicos en una casa particular causan molestias, pero usted pacientemente lidió con mis múltiples achaques y dolores causados por el cáncer, y se empeñó en hacer que mi destino final, llamado muerte, fuera tan bueno como se pudiera. No puedo decir cuánto me ayudó. Y usted no sólo lidió con este arrogante y difícil paciente como si fuera sólo su trabajo, sino que se comunicó conmigo como ser humano. No puedo decir cuánto me apoyó, ni cuánto me salvó. Su calidad humana me animó tantas veces. Estoy profunda, profundamente agradecido.

Y ésta es la última vez, desde que recibí el diagnóstico a mediados de mayo hasta hoy, en que he tenido la suerte de recibir la cooperación, ayuda y apoyo de dos amigos, tanto del trabajo como personales. Mi amigo T, quien ha sido un camarada desde la preparatoria y es miembro de KON' Stone Inc.; y el productor H. Les agradezco a ambos desde el fondo de mi corazón. Muchas, muchas gracias. Es difícil para mí con este insignificante vocabulario expresarles a ambos mi gratitud de manera adecuada. Mi esposa y yo hemos recibido tanto de ustedes.

Si ustedes no hubieran estado con nosotros, estoy seguro de que estaría esperando la muerte mirando a mi esposa, sentada a mi lado, con mucha más angustia y preocupación. Estoy realmente en deuda.

Y, si puedo pedir una cosa más, ¿podrían ayudale a mi esposa a superar esto después de mi muerte? Podría tomar ese vuelo con mi mente tranquila si pudieran hacer eso por mí. Se los pido desde el fondo de mi corazón.

Así que, a todos los que leyeron este largo documento, gracias. Con mi corazón lleno de gratitud por todo lo bueno en el mundo, soltaré mi bolígrafo.

Ahora, con permiso. Tengo que adelantarme

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Jennie.... Romantico y Onirico Amor.

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 "Es la entrada a un mundo maravilloso en el que nada se explica, por fortuna..."

Estas palabras son del genial Luis Buñuel, el cual sorprendió en una entrevista, comentando que su película preferida era.... "Jennie" (Portrait of Jennie - 1948)


Han pasado más de sesenta años y es una película que sigue fascinando. Una película que nació gracias al visionario productor David O´Selznick. El relato del escritor Robert Nathan le encandiló de tal manera, que apostó fuerte por él, comprando sus derechos para realizar la película.

Se puso manos a la obra y eligió al director alemán William Dieterle. Un director todo terreno, que lo más conocido de él, era la versión de "El jorobado de Notre Dame", que en España se llamó "Esmeralda, la zíngara" (1939). Sin lugar a dudas, con "Jennie", este director logró su mejor película.

Para el personaje de Jennie, lo tuvo claro, una de las actrices del momento, que anteriormente había realizado la famosa "Duelo al sol" -King Vidor- (1946), ... Jennifer Jones.
La que posteriormente fuera esposa del productor, realiza una estupenda interpretación de este personaje tan misterioso.
J. Jones, era una estrella, pero en mi opinión no ha sido una gran actriz. Pero eso no quita para que haya trabajado en películas tan maravillosas como "El pecado de Cluny Brown" (1946) de Lubitsch o "Pasión bajo la niebla" (1952) de King Vidor.

En el apartado masculino un buen actor como Joseph Cotten. El pintor desdichado, desencantado, enamorado, que finalmente recupera su inspiración y talento gracias al amor, es una de sus mejores interpretaciones.



No puedo olvidar a  dos grandes actrices como Ethel Barrymore y Lilliam Gish, que realizan sendos trabajos espléndidos. Sobre todo la primera, y su historia de amor con el pintor.
Es la otra gran historia de amor de la película, dos personas separadas en tiempo y en edad. Las miradas de Ethel Barrymore a Joseph Cotten, son maravillosas. Como sin decir nada, se puede decir tanto. 

"La belleza es verdad y la verdad belleza. Esto es todo lo que sabes en la tierra y todo lo que necesitas saber"
-John Keats-

Del argumento es mejor no contar nada, ya que no quiero desvelar todas las maravillas que se encierran en él.

"Jennie"es una película fascinante, un maravilloso y onírico cuento de hadas.
 Una de las películas más románticas de la historia del cine. 




Tiempo y espacio, vida y muerte, pasado y presente, todo tiene cabida en "Jennie".

Para lograr todos estos aspectos, es fundamental la maravillosa atmósfera recreada por el director de fotografía Joseph H. August, que por cierto moriría casi al final del rodaje siendo sustituido por Lee Garmes.
Bellísimamente fotografiada, el blanco y negro es inolvidable, lleno de luces y sombras, con escenas que parecen cuadros.
Destaca también el Nueva York de los años cuarenta, con Central Park muy presente.

Rodada en blanco y negro, en la última parte de la película podemos apreciar ciertos colores, verdes, marrones rojizos, y sobre todo ya en color el cuadro, el maravilloso Retrato de Jennie. 

"La ciencia nos dice que nada muere, sino que cambia, que el tiempo no pasa, sino que se curva alrededor de nosotros, y que el pasado y el futuro están juntos a nuestro lado siempre"



En todo el metraje de la película está presente la música. Dimitri Tiomkin es el encargado de crear musicalmente esa atmósfera tan especial, pero sobre todo la música de Claude Debussy y su "Preludio a la siesta de un fauno", es la encargada de las mágicas apariciones de Jennie.


Inolvidable y sobre todo misteriosa la canción de Jennie, compuesta por Bernard Herrmann:
"Nadie sabe de donde vengo y nadie a donde voy, todo el mundo va. El viento sopla, el mar fluye, nadie sabe. Y adonde voy, nadie lo sabe"

Como sucede en muchos casos, a esta extraña película la crítica y el público le dio la espalda. Fue un gran fracaso y fue el desencadenante de la crisis en la productora de David O´Selznick. El tiempo pone todo en su lugar, y ahora está considerada como la obra maestra que es, y una de las mejores películas de la historia.

Gran cine romántico, con una poética muy grande, pero sin olvidar el tono fantástico que nos ofrece su historia e imágenes. 

"No hay vida, hasta que amas y has sido amado, y entonces no hay muerte"


Amor intemporal, que nos demuestra que nada es imposible. Dos personas nacidas en distintas épocas, y que gracias a la fuerza del amor hace que lleguen a unirse y a amarse.
Esta premisa, esta sin-razón es maravillosa, es el motor de la película. Como, dos seres humanos, de tiempos diferentes, han nacido el uno para el otro. 

"Los hilos de nuestras vidas están entrelazados y ni el espacio ni el tiempo puede separarnos"


Una joya mágica y evocadora, una historia de amor imposible,  que muchos espectadores todavía desconocen y que hay que poner remedio pronto. Se están perdiendo una película única, y sobre todo algo diferente, adelantado a su tiempo. 
 

 "Me gustaría que esperaras a que creciera, y así podríamos estar siempre juntos"

"¿Que es el tiempo?, ¿que es el espacio?, ¿que es la vida?,... ¿que es la muerte?"











El club de la lucha... y sus frases.

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Película de culto, original, tramposa, magnífica, aberrante, violenta, imprescindible, pretenciosa, polémica, fascista, radical, etc, etc. Cualquier adjetivo ha tenido cabida en la película de David Fincher

En su momento, originó un interesante debate entre sus amantes y detractores. A mi me sigue pareciendo una estupenda película. Incluso admitiendo su trampa de guión, la historia de Jack y Tyler Durden me parece contundente, consigue lo que se propone, su discurso es claro y preciso, puede gustar o no, pero es lo que hay. 
Toda esta historia, lógicamente, hay que comprenderla. Muchos jóvenes la entendieron mal y se quedaron con su violencia tan salvaje. El mensaje de crear este Club de la Lucha, para darse de "ostias", perdón pelear, y así arremeter contra el mundo y la vida, generó legiones de fans, muchos de ellos equivocados con su peligroso guión.

Fincher adaptó la novela de Chuck Palahniuk  para rodar con su personal estilo la historia de "dos personajes" desilusionados con el mundo que les rodea.



No voy a comentar la película, ya que se ha escrito mucho, y además siguiendo las reglas ...."Primera regla del Club de la Lucha, nadie habla del Club de la Lucha" 
El caso es que la historia de nuestro Narrador (Jack) y la creación de su otro Yo, sigue siendo muy buena, una propuesta radical y diferente, en la que ciertas frases antológicas siguen siendo imprescindibles en nuestra moderna sociedad. Aquí os dejo con unas cuantas. Con cual os quedáis....



"Esta es tu vida y se acaba a cada minuto."

"La publicidad nos hace desear coches y ropas, tenemos empleos que odiamos para comprar mierda que no necesitamos. Somos los hijos malditos de la historia, desarraigados y sin objetivos. No hemos sufrido una gran guerra, ni una depresión. Nuestra guerra es la guerra espiritual, nuestra gran depresión es nuestra vida. Crecimos con la televisión que nos hizo creer que algún día seriamos millonarios, dioses del cine o estrellas del rock, pero no lo seremos y poco a poco lo entendemos, lo que hace que estemos muy cabreados."

"Si el tiempo vivido es largo, el índice de supervivencia para todos se reduce a cero."

"No eres un bonito y único copo de nieve, eres la misma materia orgánica en descomposición que todo lo demás, todos somos parte del mismo montón de estiércol..."


"Si te despertaras a otra hora en otro lugar... ¿te despertarías siendo otra persona?"

"Somos los hijos indeseados de Dios, ¿y qué? Nuestros padres eran nuestros modelos de Dios, y si nuestros padres nos fallaron, ¿qué dice eso de Dios? Tienes que tener en cuenta la posibilidad de no caerle bien a Dios, él nunca quiso tenerte. Con toda probabilidad él te odia, pero no es lo peor que pueda ocurrirte. ¡¡No lo necesitamos!! Que se jodan la maldición y la redención, somos hijos no deseados de Dios, así sea."

"Somos una generación de hombres criados por mujeres, me pregunto si realmente otra mujer será la respuesta que necesitamos."

"La autoperfección es simple masturbación, sólo la autodestrucción conlleva evolución".

"Tienes que saber, no temer, saber que algún día vas a morir, y hasta que no entiendas eso, eres inútil."

"¿Qué es peor, el infierno o la nada? Quema los museos, límpiate el culo con la Mona Lisa, para que al menos Dios aprenda tu nombre."

"Quiero tener un aborto tuyo."


"El condón es el zapatito de cristal de nuestra generación, bailas con el toda la noche y luego lo tiras, al condón no, al extraño claro"

"Antes ojeábamos pornografía, ahora ojeamos la colección de interiorismo."

"No sois vuestro trabajo, no sois vuestra cuenta corriente, no sois el coche que tenéis, no sois el contenido de vuestra cartera, no sois vuestros pantalones, sois la mierda cantante y danzante del mundo".

"Todo es una copia de otra copia, de otra copia...."

"El tocar fondo no es un retiro de un fin de semana, no es un maldito seminario. Deja de intentar controlarlo todo y suéltate de una vez. Suéltate".

"Tienes que considerar la posibilidad de que a Dios no le caes bien"


"Desempeñas trabajos que odias para comprar cosas que no necesitas"

"Para hacer una tortilla tienes que romper algunos huevos"

"Todo lo que alguna vez amaste te rechazará o morirá."

"Nuestra vida es nuestra gran depresión."

"La autoperfección es simple masturbación.

"No me habían follado así desde la escuela primaria"

"Siempre lastimas a quien amas."

"¿Para qué la salida de emergencia a 10.000 metros de altura? Ilusión de seguridad."

"Si estás leyendo esto, el aviso va dirigido a ti. Cada palabra que leas de esta letra pequeña inútil, es un segundo menos de vida para ti. ¿No tienes otras cosas que hacer? ¿Tu vida esta tan vacía que no se te ocurre otra forma de pasar estos momentos? ¿o te impresiona tanto la autoridad que concedes crédito y respeto a todos los que dicen ostentarla? ¿lees todo lo que te dicen que leas? ¿Piensas todo lo que te dicen que pienses? ¿Compras todo lo que te dicen que necesitas? Sal de tu casa, Busca a alguien del sexo opuesto. Basta ya de tantas compras y masturbaciones. Deja tu trabajo. Empieza a luchar. Demuestra que estas vivo. Si no reivindicas tu humanidad te convertirás en una estadística. Estas avisado..."
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Tenía que ponerla.....


Y por último un montaje de la película con la música de Limp Bizkit











De latir mi corazon se ha parado... Brutalidad musical.

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Primer plano de unas manos... en movimiento. Unos dedos tocan un imaginario piano. Estamos en la barra de un bar, es nuestro protagonista, un tipo cruel, sin escrúpulos, ¿sin sentimientos?
Esta escena resume a la perfección la excelente película que hemos visto. Es realmente fascinante como un tipo como este, puede llegar a impresionar con su "redención musical". 

Jacques Audiard, es uno de los directores franceses más importantes de los últimos años. 
Su descubrimiento fue a finales de los noventa con la muy interesante "Un héroe muy discreto" (1996), una historia de la segunda guerra mundial que combinaba el drama con la comedia. Pero sobre todo se ha dado a conocer con su mayor éxito, "Un profeta" (2009). Un drama carcelario, francamente interesante, muy denso y opresivo, que su excesivo metraje y una cierta reiteración en su planteamiento, hizo que no alcanzara la maestría que otros promulgaran.

Pero antes de este "profeta", y a la espera del estreno de su última "De rouille et d´os", presentada en Cannes con bastante éxito, Audiard dirigió lo que por el momento es su mejor película, "De latir mi corazón se ha parado" (2005)



Tras este título tan hermoso, (estrofa de una canción de Jacques Dutronc de "La fille du pére Noël") se esconde un remake de una buena película como es "Melodía para un asesinato" ("Fingers" - 1978) de James Toback.

Esta es la historia de un chico con unos negocios "sucios", violento, sin amor, con un padre que no le crea más que problemas, y sobre todo con un eterno conflicto interior. 
Una especie de gangster de poca monta, que inesperadamente ve cambiar su mundo gracias al encuentro casual con el mentor de piano de su madre. Tras este hecho, recupera su pasión por la música y comienza su empeño por volver a tocar el piano. Una vuelta de tuerca que será acompañada de una profesora oriental, sus colegas de "empresa", escarceos amorosos y toda la violencia que encierra dentro de él.

El director realiza una estupenda película, rodada con unos magistrales planos secuencia, en donde la puesta en escena es espléndida. Muy realista y detallista, en donde los primeros planos, tanto de rostros y manos son uno de los mayores aciertos de la película.

Pero sobre todo, esta película es el actor protagonista, Romain Duris. Su interpretación es soberbia, tanto cuando deambula por el mundo de la especulación y violencia, como cuando se sumerge en otro mundo tan fascinante, como es el de las teclas negras y blancas de un piano. 

Un tipo, un antihéroe que es muy antipático hacia el espectador, su forma de ser, su ética y moral, nos provoca un rechazo muy grande, pero a medida que avanza la película, empezamos a comprender todo lo que le sucede.

El director construye en Duris un ángel y diablo, un personaje al límite, inseguro, nervioso, sin escrúpulos, una persona real de carne y hueso.

Hay varios momentos, varios planos de Romain ciertamente asombrosos. Uno de los mejores, es después de su accidentada audición. Sale a la calle con sus inseparables cascos y respira, escucha la música y el mundo que le toca vivir.
O cuando se sumerge y se esconde en las teclas de su piano con su rabia contenida, la misma que utiliza para propinar palizas a los okupas de sus edificios.



Es interesantísimo el mensaje de la música como única vía de escape. Una experiencia que requiere mucha concentración, para poder controlar su furia y rabia contenida. 


Muy interesante también es la relación paterno-filial que el director nos ofrece. Asistimos a momentos estupendos entre padre e hijo. Como la secuencia espléndida en la cual el padre le pide ayuda para cobrar a un moroso. Una explosión de violencia extraordinariamente construida.


El caos y destrucción como origen de la belleza y redención


El protagonista deambula entre dos mundos: el agresivo, el de su padre, y otro mucho más introspectivo y placentero como el de la música.


En definitiva una película excelente, en la cual todo funciona a la perfección,  Con un ritmo impecable, sin dejar ni un solo tiempo muerto, con una gran factura visual.

Película llena de virtudes y de personajes inestables, rodeados de un entorno hostil que los pone a prueba constantemente. Muy recomendable.  



Lo mejor: Romain Duris

Lo peor: El epílogo nos priva de haber disfrutado más de su historia.

















El cine como emocion... El ultimo mohicano.

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El otro día en un nuevo centro comercial, inauguraban unos cines.
Tenía la ilusión de ver algo diferente. Un cine que cuidara los detalles, que se olvidara un poco de las palomitas, y que nos ofreciera algún estreno diferente, de esos que tenemos que buscar por la red porque en muchos casos las distribuidoras no quieren saber nada.

Pues iluso de mi, descubrí más de lo mismo. Las nuevas multisalas es un calco de las demás. Nada más entrar lo primero que vemos es su hall repleto de palomitas, gominolas y demás. Joder, y ¿donde se sacan las entradas?, que es lo que importa ¿no? Que esto es un cine... o acaso era un kiosko, no se, no se.


Y luego está el diseño de la sala, otra vez como si fuéramos a ver a José Tomás, el Litri, o algún torero más. Que puñetera manía de hacer las salas en forma de gradas, que barbaridad, que poca delicadeza. 
A mi no me gustan, me horrorizan, las intento evitar a toda costa. ¡Que el cine no es para ver así por favor!
¿Donde están esas salas en donde te sumergías en la butaca, sin ver a nadie más (salvo tu acompañante), en donde la película parecía que estaba proyectada solo para ti?
Una sala oscura, iluminada solamente por la luz de la pantalla, en donde podías paladear lo que habías visto, sin encender las luces en los títulos de crédito... En fin, supongo que soy un romántico del cine. 

el ultimo mohicano



En el cine se pasan muy buenos ratos, te ríes, lloras, pasas miedo, nervios, tensión, etc..
El caso es, que siempre me viene a la memoria, un recuerdo precioso. Hace ya unos añitos, veinte para ser exactos, asistí a un momento maravilloso, en donde comprobé la grandeza del cine. 
Era el estreno de "El último mohicano", y en un cine de los de antes, en las primeras filas, comprobé lo que era la Emoción.
En la última y maravillosa secuencia de esta película de aventuras, miré a mi compañero anónimo de butaca y vi en sus ojos y en su expresión, la alegría de vivir. Su entusiasmo, su emoción, era desbordante, ¡era tan palpable!. Ese rostro nunca lo olvidaré, era la expresión de la inocencia, de la evasión, del disfrute y del gozo por encima de todo.
Me acompañará para el resto de mi vida. Me hubiera gustado coincidir con esa persona más veces y compartir su alegría.

Y es que "El último mohicano" es una pelicula maravillosa. Una de las últimas grandes de aventuras que nos ha dado el cine. 
Michael Mann, rodó una historia épica, llena de espectáculo, con una, perdón, dos preciosas historias de amor, que siempre recordaremos.

el ultimo mohicano

Daniel Day-Lewis y Madeleine Stowe, estuvieron mejor que nunca. El primero alejado de sus interpretaciones tan, voy a llamarlas "excesivas" para no molestar a nadie, y la segunda logra su mejor interpretación.

Es una película con un potente romanticismo, diferente, lleno de miradas y de silencios.


"Pase lo que pase, manténte con vida; iré a buscarte. Por mucho que me cueste, por muy lejos que estés, te encontraré"



Y de la música? Que me decís? Imposible olvidar su maravillosa e inmortal banda sonora.
Trevor Jones & Randy Edelman crearon una delicia para todos los sentidos.
Cada vez que la escucho me transporto a esos lugares, a esos bosques y montañas, a esa cascada tan especial...

Lo mejor: Su secuencia final. Una de las más emocionantes de los últimos años. 
Lo peor: Que se siga viendo como una de aventuras sin más. Afortunadamente el tiempo la está poniendo en su lugar.

Aquí os dejo con su famosa secuencia, acompañado de su preciosa música. 




"Dicen que la muerte y el honor son la misma cosa pero hoy he comprendido que a veces no es así"


"El pueblo de mi padre dice que cuando nacieron el Sol y su hermana la Luna su madre murió. El Sol le ofreció a la Tierra el cuerpo de su madre del cual surgió la Vida y de su pecho extrajo las Estrellas y las lanzó hacia el cielo nocturno en memoria de su espíritu"

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el ultimo mohicano

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Por último, quiero dar las gracias a todos aquellos que me han acompañado a lo largo de este año.
Sí, hoy cumplo un añito de andadura, y si los dioses me lo permiten, espero estar muchos más con vosotros. 
Un abrazo a todos los que en menor o mayor medida han pasado por aquí.



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By themico



Blancanieves Vs... El Artista y la Modelo

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"Siempre seguí la misma dirección
la difícil la que usa el salmón
siento llegar al vacío total
de tu mano me voy a soltar"

Bueno, pues como dice la estupenda canción del gran Andrés Calamaro, hoy me enfundo la piel del salmón y en contra de casi todos me pongo de parte de la película de Trueba, una obra mucho más sutil y madura, que la imaginativa y diferente de Pablo Berger

Blancanieves


Blancanieves

El director Pablo Berger, nos presentó su ópera prima hace ocho años, "Torremolinos 73".  Una interesante y apreciable película que pocos tuvieron en cuenta, en donde Javier Cámara y Candela Peña, interpretaban a una pareja con un encanto especial, englobados en aquella España tan "casposa".
Una película correcta, muy cuidada, con una estupenda ambientación, y que quería ser algo diferente dentro del panorama del cine español.

Siempre es de agradecer este tipo de propuestas, no todo va a ser Guerra Civil y comedias estúpidas con el niñato de turno.
En esta ocasión, Berger sorprende todavía más, mucho más. Su "Blancanieves" es una de las apuestas más personales, estimulantes y arriesgadas de los últimos años. 

Es una verdadera lástima que la sombra de la sobrevalorada "The Artist" esté presente. Una película muda, y en blanco y negro, pocas veces vemos en esta época.

blancanieves

La película, se ve muy bien. El cuento de una manera totalmente diferente. Aquí podemos apreciar mucho humor negro, crítica social, enanos toreros, una Sevilla muy taurina, y sobre todo mucha imaginación

Berger se apoya en una imagen y estética muy poderosa. 
Bien rodada, aunque se le puede achacar un cierto barullo a la hora de montar ciertas escenas. 


Lo que está claro es que es la mejor versión junto a la de Disney del año 1937. Y eso es mucho. 
Berger ha arriesgado, sí, pero es que el que no lo hace no gana, y aquí ha salido con un triunfo muy importante. Reinventa un título mítico, en una España llena de tópicos, con un buen guión, apoyado en buenas interpretaciones, con un estupendo juego de luces y una música estupenda.

Una película muy "española", llena de momentos que recuerdan al mismísimo Buñuel, esperpéntica y diferente.

De lo mejor sin duda, es Maribel Verdú. ¿Cuántos años lleva esta enorme actriz, regalándonos interpretaciones memorables?

blancanieves

Una "Blancanieves" cañí, llena de folklore y sentimiento.

Por cierto, representante española para las candidaturas de los premios Oscar. Veremos si el viejo Hollywood admite otra propuesta más como la del año pasado. Lo que si está claro es que seguro en los próximos Goya arrasará. 

Lo mejor: Por fin algo diferente "made in spain", y Maribel Verdú
Lo peor: Ciertas escenas no del todo redondas, y que se la compare con "The Artist"




El artista y la modelo. 

Llevaba mucho tiempo sin ver algo bueno de este director. Fernando Trueba es un tipo inteligente, que sabe lo que quiere, pero que en los últimos años no ha realizado ninguna película más o menos decente. Yo nunca me he dormido en el cine, la única vez que rocé esa sensación fue en "El embrujo de Sanghai" (2002), se me escaparon un par de cabezadas, de esas que disfrutamos en el sofá cuando nos relajamos.
Trueba es un director que levanta odios y pasiones. Ni es el gran director que promulgan ni tampoco es tan malo. Seguramente que, ese "aire" de director importante, y su Oscar por "Belle Époque" (1992), le han perjudicado en el devenir de su obra y su complicidad con el público. 
Creo que sus mejores películas son "El año de las luces" (1986), "El sueño del mono loco" (1989), "Belle époque" (1992) y "Two Much" (1995). Todo lo demás  es prescindible en la mayoría de casos, incluido su fijación por meternos en todo ese mundo cubano y demás, a mi me aburre y bastante.

Han pasado muchos años para "reconciliarme" con Trueba. "El artista y la modelo" es una excelente película, muy madura, personal, rebosante de talento. 

Dirigida con una palpable sensibilidad, en donde el arte y la vida se unen para contar una historia sobre las despedidas, sobre el abandono de la belleza artística.
Así asistimos a la historia de ese pintor (Jean Rochefort) que tiene que despedirse de su vida cuando ha encontrado el momento de entenderla. 

el artista y la modelo

La película de Trueba destila ese aire tan francés como el que nos ofrecía Truffaut,o esa maravillosa naturalidad de Renoir. Sus influencias cinéfilas y el guión co-firmado con Jean-Claude Carriere seguro que tienen la culpa.
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El artista y la modelo, la modelo y el artista. Se tornan los papeles, y cual Pigmalion, la chica, la modelo, ofrece al viejo artista un torrente de sensaciones olvidadas. Desde disfrutar con lo más sencillo y efímero de la vida, hasta apreciar, con esa fuerza perdida, los sentimientos, la naturaleza y su vida.

Trueba rueda con un ritmo tranquilo y pausado, en blanco y negro, para que paladeemos todo lo bueno que lleva dentro.
Se apoya en unos buenos actores, en donde sobresale el veterano "marido de la peluquera" Jean Rochefort, y la belleza carnal y atrevida de Aida Folch
También es un placer poder ver a la bellísima Claudia Cardinale, y de la gran Chus Lampreave poco que decir....

Como dato anecdótico, cabe señalar la ausencia prácticamente de la música. Un dato curioso, siendo Trueba un gran amante de esta.

el artista y la modelo


En definitiva, una película que tiene toda la pinta de durar muy poco en cartel (solo 51 copias para toda España), y que sería una lástima porque arte y vida pocas veces han estado tan bien unidas en pantalla. La mejor película de Trueba.

Lo mejor:  La forma que tiene Trueba de contarnos esta fascinante historia.
Lo peor: Que la semana que viene ya no esté en cartel... seguro. 

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Resumiendo dos buenas propuestas, un recién llegado y un veterano. Dos películas muy diferentes, que seguro originaran sus críticas y debates. Gustándome las dos, me quedo con la de Trueba.

el artista y la modelo

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blancanieves

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Veneno para las hadas.... Perverso cuento infantil.

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Ahora que nos encontramos inmersos en pleno Festival de Sitges con sus propuestas tan interesantes y apetecibles, os quiero recomendar una película de terror bastante desconocida.
Por cierto las crónicas diarias de este Festival las podéis seguir aquí:  Lost Highway y Despues de 1984

A veces nos encontramos con ciertas películas diferentes. No son tan conocidas como lo pueden ser otras, y desgraciadamente muchos espectadores las desconocen. Esto sucede normalmente con cinematografías diferentes a las habituales. Pero existen bastantes joyas dispersadas por muchos países que merecen la pena rescatar. 

En este caso nos vamos a México, ese maravilloso país. Aparte de sus gentes, lugares y excepcional gastronomía, posee una producción cinematográfica muy buena.
Ha tenido y tiene muy buenas representaciones. Ahí tenemos, a Emilio "Indio" Fernández, Luis Alcoriza, Arturo Ripstein, González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, nuestro gran Buñuel y en esta ocasión el rey del terror mexicano Carlos Enrique Taboada

Posiblemente México, es el país iberoamericano que mejores películas nos ha brindado. Desde los cuarenta, hasta la actualidad tenemos excelentes muestras de ello. 

En esta ocasión... un cuento infantil, pero diferente y original, una estupenda película....."Veneno para las hadas" (1984)




-La historia-

Graciela es una niña con mucha imaginación que vive fascinada por las historias de brujas.
Flavia es una nueva alumna del colegio, con otra posición social, es rica y no le falta de nada.
Ambas empiezan a conocerse, y es cuando Graciela, que realmente se cree que es una bruja, empezará a someter a Flavia a todo tipo de juegos mágicos. Unos juegos en apariencia inocentes, pero que se volverán macabros, iniciándose una angustiosa pesadilla.

Con esta premisa el director Carlos Enrique Taboada construye una gran película de terror gótico y psicológico.

Curioso es el inicio de la película, ya que parece que vamos a ver un "giallo" al más puro Fulci o Argento, pero nada más lejos de la realidad.

Taboada nos introduce en esta historia, llevándonos sin piedad alguna, hasta la más pura desesperación, para finalmente ofrecernos un climax final escalofriante.
Para ello construye una ambientación estupenda. Mansiones al más puro estilo gótico se mezclan con oscuros y sugerentes parajes, para ofrecernos una historia infantil que desembocará en una pesadilla.

Perverso cuento infantil. Brujas y hadas con un tono enfermizo.


De lo más interesante es la visión del director acerca de lo sobrenatural, brujas, hadas, pócimas mágicas, pactos satánicos, para mezclarlo con la inocencia infantil y el poder de sugestión que puede llegar a despertar esa maldad de los más pequeños. 
Comprobamos, como puede influir estos cuentos tan malvados en la personalidad de los niños, llegándoles a causar hasta un desequilibrio psicológico. 

El comportamiento malvado de Graciela, paradigma de un egoísmo actual, tan real como preocupante.




Clásico del horror mexicano, "Veneno para las hadas" podríamos denominarla como un cuento infantil macabro. Historia de una obsesión, llena de brujería, extraños rituales, etc.
Lo que en un principio nos puede resultar curioso, poco a poco nos va asustando, dudando de si en realidad Graciela es una bruja o no.

Uno de los puntos claves de la película son las niñas. Excepcionales. La malvada Graciela y la inocente Flavia. La dos niñas están perfectas en su papel. 
Ya sabéis que con niños es muy difícil trabajar, como dijo Hitchcock "lo mas complicado en el cine es dirigir animales y niños". Pero en esta ocasión la elección de las dos niñas es excelente, ya que bordan sendos papeles.


Otro de los aspectos que más llaman la atención, es la forma de contar la película. Esta narrada desde el punto de vista de las niñas. Prácticamente en ningún momento vemos los rostros de los adultos. Ellos, los "más grandes" sobran, son personajes secundarios. La película es únicamente de ellas.


Como os decía la puesta en escena es estupenda. Además la forma de dirigir de Taboada funciona a la perfección, junto a unos muy buenos efectos sonoros y su música.

En ocasiones he leído que se le achaca de falta de ritmo. Yo creo que no, se ve muy bien, y la historia te atrapa desde el principio. Además la película se cierra muy bien con unos últimos diez minutos muy buenos, y con un final sorprendente.

Realizada en 1984, es la última película de su director, el cual posee una filmografía muy interesante donde destaca también otra excelente muestra de terror  "Hasta el viento tiene miedo" (1968), de la cual se realizó recientemente un remake infumable. 


Ahora que tan de moda está el cine de terror lleno de sangre y vísceras, no viene nada mal recuperar un terror más puro e inquietante, generado por otra clase de miedos. Una película aparentemente infantil, que juega con la ambigüedad transformándose en enferma y perversa.

La imaginación de los niños es descomunal... y peligrosa.


Aquí os dejo con la película completa:



Y como programa doble: "Hasta el viento tiene miedo". Ya solo con el excelente comienzo, engancha...





La "bruja" con su manzana...








Cosmopolis... Viaje hacia el ocaso emocional.

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Resulta complicado comentar acerca de esta densa (posiblemente el adjetivo más utilizado para ella) película. Pero esta afirmación no es porque sea pesada y confusa, al contrario Cronenberg ha realizado uno de sus mejores trabajos, una película descomunal, tremendamente arriesgada, no apta para todos los públicos, y que sorprendentemente (por lo menos para mí) no esta cosechando grandes críticas, al contrario, más bien todas negativas. 

cosmopolis


Y es que la película de este genial director requiere un visionado especial. Basada en una novela de Don DeLillo, que no he leído, es una de las visiones más fascinantes de nuestro caótico e irremediable mundo que nos toca vivir. 

El creador de la "nueva carne" se vuelve a reinventar para ofrecernos otro de sus relatos sobre la deshumanización. En ella podemos apreciar una incomunicación brutal. Nos muestra el estado tan crítico que tenemos y  sobre todo una FALTA DE AMOR, así en mayúsculas, alarmante.
Unos asuntos muy serios, que en la película se nos ofrecen descarnados, duros, secos, sin concesiones, para tomárnoslos muy en cuenta. 

Si la historia es poderosa, Cronenberg nos la muestra todavía más inquietante con esa forma de rodar tan especial que posee. Ya desde el primer momento, asistimos a unos movimientos de cámara elegantes, tranquilos, que nos transportan cual limusina (por cierto, tremendos los planos aumentados de ese espacio vital para el protagonista) por toda la ciudad, para encontrarnos todo tipo de personajes a cual más peculiar e interesante. También en esa primera escena es donde nos atrapa. Ese corto diálogo acerca del Presidente es tremendo. "¿Qué Presidente?", pregunta nuestro protagonista...

cosmopolis

Y como en sus anteriores trabajos, seguramente iniciados por otra de sus Obras Maestras como "Videodrome" (1983), el personaje principal sufre una mutación. Pero en este caso no es una deformidad física de su cuerpo, es algo más, es su propia vida. Su existencia toma un giro radical para mostrarnos los desechos de los que estamos formados. 

Plagada de inolvidables diálogos, densos (otra vez), inquietantes, preocupantes, que hacen que en una sola visión no se abarque la grandiosidad de esta obra. La he visto hace dos días, y la quiero volver a ver ya. 

Importante son los actores. Cronenberg es un estupendo director de actores.
Otra de las apuestas más arriesgadas es su actor protagonista. Tenía mis serias y razonables dudas. Robert Pattinson, un actor de moda sobre todo entre las adolescentes, está impecable. A él se unen unos "secundarios" espléndidos, en donde destacan una soberbia Samantha Morton (uno de los mejores personajes), terrible su discurso; o un magistral encargado de seguridad, Kevin Durand, hasta desembocar en el gran Paul Giamatti y su diálogo final. 

"Nos morimos cada día"

"Destruye el pasado, crea el futuro"

cosmopolis


Cronenberg, como gran narrador de lo erótico y sexual, no hay que olvidar otra película magistral como "Crash"(1996), o la tremenda escena entre Viggo Mortensen y Maria Bello de la gran "Una historia de violencia" (2005), nos regala una de las escenas eróticas  más insólitas que he visto en los últimos años. Nuestro protagonista a "cuatro patas", un doctor... proctólogo, una botella de agua entre las piernas de una chica repleta de sudor.... tremenda.

Economía, capitalismo, todo se derrumba bajo el frío bisturí del genio canadiense. 

Espléndida es la música de Howard Shore, un colaborador habitual del director. Shore realiza una gran banda sonora, un acompañante de lujo para este viaje tan fascinante, casi rozando la ciencia ficción, pero que desgraciadamente es tan real como el día a día que vivimos.

Todo está calculado en "Cosmopolis", Cronenberg no deja cabo suelto. Desde sus primeros compases, en donde aparece el estupendo pintor Jackson Pollock , hasta su final en los títulos de crédito, con una aproximación genial al gran pintor del expresionismo abstracto Mark Rothko, el cual ya le habíamos oído nombrar en otro de sus diálogos. 


Un viaje desde el capitalismo y la más novedosa tecnología, hasta la búsqueda de la ansiada condición humana, que solo se puede encontrar en los desechos de nuestra sociedad.

cosmopolis


"Cosmopolis" es una película exigente con el espectador, turbadora, fascinante, una lección de gran cine, un trabajo muy importante que se debería tener muy en cuenta, de uno de los mejores directores de los últimos años. El señor Cronenberg los tiene bien puestos.

"El tiempo es una cosa que cada vez escasea más"

"La vida es demasiada contemporánea"

Lo mejor: Que haya directores que hagan películas así. 
Lo peor:Tal vez Juliette Binoche, algo desaprovechada. 



cosmopolis

cosmopolis

cosmopolis

cosmopolis

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mark rothko
Mark Rothko


mark rothko
Mark Rothko


El festin de Babette.... El sabor de la vida.

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Retrocedamos veinticinco años....
En la 60 edición de los premios Oscar, asistimos a la categoría de mejor película extranjera. Varias nominadas, entre ellas "Asignatura aprobada" de Garci, "La familia" de Ettore Escola, la noruega "Pathfinder" y la gran favorita "Adiós muchachos" de Louis Malle. Pero salta la sorpresa y una película danesa se alza con la estatuilla, "El festín de Babette" una maravilla para todos los sentidos. 

Volviendo a la fecha actual, y con el motivo de su aniversario, se anuncia que el próximo noviembre se vuelve a estrenar en una copia restaurada. Una muy buena noticia para volver a disfrutar o ver por primera vez esta película imprescindible para todo amante del cine.



La historia

A finales del siglo XIX y durante una noche de tormenta, Babette llega a una remota aldea de Dinamarca. Viene de Francia huyendo de la revuelta de Paris de esa época. En este desolado lugar la acogen dos solteronas hijas de un estricto pastor. Allí vive bastante años, hasta que sorprendentemente la fortuna le sonríe ganando un premio en la lotería. Pero en lugar de volver a Francia, y ante la sorpresa de todos, Babette pide permiso para preparar una cena de celebración del centenario del pastor. 
Al principio los vecinos tienen miedo y son reacios a ella, sobre todo por temor a dañar la ley divina que les rige, es una cena francesa!, pero poco a poco de manera maravillosa, todos van cediendo ante las delicias que les ha preparado Babette y ante los placeres de la cocina francesa. 

La novela

La gran escritora danesa Karen Blixen, más conocida por su seudónimo de Isak Dinesen, la misma de "Memorias de África", escribió este cuento maravilloso. 
Blixen escribió este relato para un semanario femenino americano, y así ganar algún dinero para salir de la difícil situación en la que se encontraba.

Historia muy rica en matices y con un gran mensaje interior, que el director francés Gabriel Axel se encargó de dirigir para la gran pantalla. 

Aunque puede parecer algo desproporcionado, esta película puede recordar a uno de los más grandes autores como Dreyer. No es tan compleja como puedan ser las obras del maestro danés, pero Axel comparte esa sencillez en la puesta en escena que tenía el maestro. Y no solo acaba aquí su  homenaje, en la película comprobamos la inclusión de varios de los actores de las grandes películas de Dreyer. Incluso también podemos ver a Bibi Andersson, una de las actrices fetiches de Ingmar Bergman.




El Festín de Babette y la religión


La película contiene un importante mensaje religioso. Está repleta de símbolos y señales, el más importante de todos la gran parábola de el Festín sobre la Gracia. 

 “Nuestra elección no tiene importancia.
Llega un tiempo que se abren nuestros ojos y llegamos a comprender que la Gracia es infinita. Y lo único que debemos hacer es esperarla con confianza y recibirla con gratitud. La Gracia no pone condiciones

En una comunidad enferma, en proceso de involución, y con una ética muy rígida, Babette significa una liberación, una nueva alma, cristiana, que ofrece en su banquete una comida que mediante el goze, el deleite del cuerpo, cambia por completo el espíritu de esta aldea.
 
La gratuidad transforma esta comunidad abriendo sus corazones y recordando, que no estamos solos, el don de Dios puede aparecer en cualquier momento. La esperanza y la Gracia siempre están presentes.
Un mensaje claro, hay que tener  presente que la fe se manifiesta en las obras realizadas, y sobre todo y muy importante, la exaltación de la bondad y el perdón entre nuestros semejantes. 

La película acierta plenamente en su crítica hacia esa religión empecinada en su discurso equivocado, en que para ganarnos el cielo tenemos que sufrir y ser infelices en la Tierra.




"El festín de Babette" está repleto de una gran fuerza espiritual.


 “En el paraíso tu serás la gran artista”


La película está dividida en dos partes.
La primera tendría un nombre, la sencillez. 
Se nos presenta a esa comunidad, y los personajes que la forman. Asistimos a su austera vida, en donde la religión es su principal motivo de vida. Tal es el extremo, que sacrifican sus vidas y sus amores por ese fanatismo religioso.
Mediante una voz en off, asistimos a la narración de esta historia, de las dos sumisas hermanas, las cuales han perdido su vida, su juventud.
Pero todo esto está contado tan maravillosamente, que no las rechazamos, al contrario, sentimos por ellas un especial cariño.
A través de flashbacks vemos esas historias del "no amor" de las hijas del pastor. En ellas asistimos a una de las escenas más bonitas de la película, en donde la ópera de Mozart "Don Giovanni" acompaña a una preciosa declaración de amor.

Es en su segunda parte cuando llega el momento de Babette. Gana la lotería y prepara el gran banquete. Es aquí en donde asistimos al cambio de los personajes. Una gran secuencia, el clímax de la película, una declaración de amor de Babette a la hospitalidad que ha recibido. 
Llena de momentos extraordinarios, como los emotivos besos de dos ancianos para demostrarse el amor reprimido de tantos años, o uno de los más bellos de toda la película, el momento en el que los invitados se cogen de las manos y cantan bajo las estrellas. Una maravillosa metáfora del canto a la vida y a la felicidad, comprobando que ya no tienen temor al castigo divino que les ha perseguido toda su vida. 


Stéphane Audran es Babette.

Extraordinaria la interpretación de esta actriz francesa, que por cierto fue la mujer del malogrado Claude Chabrol, actuando en la mayoría de sus películas. 
Esta actriz compone un personaje inolvidable. Babette, como ella misma dice, es una artista. Y se sirve de ello para demostrar su agradecimiento a los que la han acogido. 
Ese agradecimiento y esa forma de dar de sí lo mejor, es la manera en la que poder integrarse en sus vidas, recordemos que es una extranjera, una "invasora" (ella y su crucifijo) que altera la vida de esta comunidad.



Destacado e importante es el mensaje de Babette. En  una de sus frases la cocinera dice "Un artista nunca es pobre".

Una frase que esconde un mensaje maravilloso, en donde los artistas, los creadores no necesitan de riqueza material, sino que el poseer esa experiencia artística, el proceso de la creación es lo más grande y donde más se disfruta. 
Todo aquel que por su oficio, trabajo o placer se dedique a esto, estará de acuerdo conmigo. No hay nada más maravilloso que crear. Nada es comparable a esa experiencia, el mundo se disfruta de otra manera, eres único para el universo. 

Es importante recordar que en mayor o menor medida, en este mundo somos artistas. Esto significa que tenemos que dar salida a nuestros dones o talentos. Debemos realizarlos para generar la felicidad que llevamos dentro. Bueno para nosotros y para nuestros semejantes. Nuestros cuerpos, nuestros sentidos necesitan saber que están vivos. 


El director Gabriel Axel realizó una obra de arte. Tremendamente sencilla y  humilde, pero grande en resultados. Su cámara no se nota, apenas notamos su presencia. Su puesta en escena respeta el más puro espíritu de la narración.
Cabe destacar la extraordinaria fotografía de Henning Kristiansen, que recrea perfectamente el ambiente austero de esta comunidad. La música en segundo plano de Peer Norgaard acompaña muy bien a estas imágenes nórdicas que Babette logra cambiar. 

En definitiva una obra maestra de una belleza descomunal.

 Una preciosa película de visión obligada para todos los amantes del cine, de la vida, para creyentes y no creyentes. Una invitación para disfrutar de la vida. 


Por último creo que esta película es la favorita de todos los amantes de la cocina, en los cuales me incluyo. Si tuviera que elegir una sería esta. Por cierto, que para  el mayor genio de la cocina, Ferran Adriá  también es su preferida. 



Receta de El Festín de Babette: Codornices en sarcófago con foie gras.

4 codornices 
300 gr. de foie gras
50 gr. de trufa negra
c.s. de sal
c.s. de pimienta negra molida

Limpiar el foie y trocearlo. Con un pequeño cuchillo bien afilado, deshuesar las codornices de modo que queden enteras. Salpimentarlas. Rellenarlas con 70 / 80 gr. de foie gras troceado y la trufa cortada en pequeños trozos. Reconstruir el ave.

Masa

300 gr. de harina de trigo
160 gr. de grasa de pato bien fría
c.s. de sal


Amasar los ingredientes. Dejar reposar el pastón 60 minutos en la nevera. Pasado el reposo, estirar la masa a unos 3 mm de grosor. Reservar en la nevera hasta su utilización.
Sarcófago

Forrar con la masa que laminamos 4 moldes pequeños. Se pueden usar unas latas rectangulares que sirven para confeccionar los blocs de foie gras. Sus medidas son de 10 x 15 cm, de altura. Existen unos moldes individuales específicos pero son muy difíciles de encontrar.
Colocar en cada sarcófago una codorniz. Confeccionar con la masa que ha sobrado unos pequeños rectángulos de 10 x 5cm que colocaremos sobre cada molde. Soldar con el resto de la masa. Hacer una pequeña chimenea en la parte superior del sarcófago con la punta de un cuchillo.

Hornear a 180º C durante 20 minutos.

Fondo al vino de Madeira
15 cl de fondo de pato
50 gr de trufa negra
c.s. vino de Madeira
c.s. sal
c.s. pimienta negra molida


Reducir el fondo de pato con la trufa picada. Añadir el vino de Madeira. Salpimentar y reservar.
Servir el sarcófago con el fondo al Madeira bien caliente.







Película completa: El festin de Babette. 

Para el que no quiera esperar al reestreno y quiera verla de nuevo, aquí os dejo con ella, está doblada, pero menos da una piedra...



Peliculas de Viajes en el Tiempo

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Esto de viajar en el tiempo es cosa muy seria. ¿Quien no ha fantaseado con volver unos años atrás?
Poder cambiar aquello que hicimos mal, aquellas palabras que nunca dijimos, declararse por fin al amor de tu vida, aquel que dejaste escapar...

Hay tantas cosas que hacer en el pasado!... y en el futuro! 

El caso que con la excusa del estreno de la estupenda"Looper" (Rian Johnson. 2012), vamos a hacer un repaso entre todas las películas que tratan esto del viaje en el tiempo.

Hay muchas maravillosas, ahí están : "Los héroes del tiempo" ("Time Bandits", Terry Giliam. 1981); "12 Monos" ("12 Monkeys". Terry Gilliam. 1995); "La Jetée" (Chris Marker. 1962); "Terminator" (James Cameron. 1984); o las que más me gustan, "Atrapado en el tiempo" ("Groundhog Day". Harold Ramis. 1993) y "Regreso al futuro" ("Back to the future". Robert Zemeckis. 1985)
Dejo fuera la excelente "Donnie Darko" (Richard Kelly. 2001), porque su interpretación daría para un extenso comentario. La película, es sin dudas, una de las más fascinantes y complejas de los últimos años. Para otra ocasión. 
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Estas serían mis otras destacables de Viajes en el Tiempo. Algunas han pasado desapercibidas y no lo merecen. Ahí vamos...



"El tiempo en sus manos" ("The time machine")
Director: George Pal . 1960.



Posiblemente estemos ante "la película de los viajes en el tiempo". Basada en la inmortal novela de H.G. Wells, esta película es una muestra maravillosa del cine de antes, con unos efectos especiales estupendos.

La historia es bien conocida. Un científico (Rod Taylor) construye una máquina que le permite viajar a través del tiempo. Asistimos a muchos acontecimientos, desde la Segunda Guerra Mundial, hasta un viaje increíble en el futuro. Película imprescindible para todo amante de este género. 
  

  
"Los pasajeros del tiempo" ("Time after time") 
Director: Nicolas Roeg. 1979.


Esta película cuyo título original recuerda a la canción de Cindy Lauper, es otra excelente muestra de la inventiva de H.G. Wells
Pero en esta ocasión es el propio escritor-inventor el protagonista de la película. Con un guión francamente ingenioso nos encontramos con un viaje en el tiempo entre Wells y ni más ni menos Jack el Destripador
Interpretada por Malcon McDowell y David Warner, está injustamente olvidada dentro del género. Muy de vez en cuando algún "iluminado" de la televisión la programa, estad atentos.



"Hombre de dos mundos" ("The house in the Square (I´ll Never Forget You)")
Director: Roy Ward Baker. 1951


 
Una estupenda muestra del buen hacer de uno de los directores más importantes dentro del género fantástico y de terror de los años 70. 
Tyrone Power y Anne Blyth protagonizan una entretenida película, en donde un científico se obsesiona con viajar al pasado. Una vez allí conoce a una bella mujer, cambiando su posición en el pasado.
Francamente recomendable. 



"En algún lugar del tiempo" ("Somewhere in time")
Director: Jeannot Szwarc. 1980 



Porque no todo van a ser aventuras y acción. En el tiempo también existe el romanticismo. 
Esta película es una buena muestra de ello. Muy desconocida para el gran público, cuenta una buena historia, un buen drama romántico
En este caso la "culpa" del viaje en el tiempo la tiene la hipnosis.
Un buen reparto con Christopher Reeve, Jane Seymour, Christopher Plummer y Teresa Wright. 
Una correcta dirección, una estupenda música y una interesante historia, firmada ni más ni menos por el gran Richard Matheson
Me gusta este viaje en el tiempo para encontrar el amor. 


"The Navigator" ("The Navigator: A medieval odyssey")
Director: Vincent Ward. 1988



Interesantísima película neozelandesa, acerca de un niño del siglo XIV, que encabeza una expedición a través del centro de la tierra llegando al siglo XX, para poder salvar a su pueblo de la peste negra.  
Un relato épico y en muchas ocasiones onírico, que cuenta con una estupenda puesta en escena y un broche final francamente bueno. A recuperar.



"El final de la cuenta atrás" ("The final countdown)
Director: Don Taylor. 1980.
  



No, no es la archiconocida canción de Europe que en mayor o menor medida todos hemos cantado a "grito pelao". 
Esta película fue un relativo éxito sobre todo en los videoclubs. Recuerdo la frustración de verla una y otra vez alquilada, hasta que al fin ¡estaba libre!

La historia es por lo menos peculiar. Un portaaviones moderno desparece en una enorme y gigantesca tormenta, apareciendo de nuevo en 1941, exactamente el día del borbandeo de Pearl Harbor.
Kirk Douglas, Martin Sheen y Katharine Ross (una actriz muy desaprovechada), protagonizaban esta película curiosa, que hoy vista es correcta por los pelos. 



"El experimento Filadelfia" ("The Philadelphia Experiment")
Director: Stewart Raffill. 1984



Otro clásico de los ochenta. La película vista hoy ha perdido mucho, quedando como lo más destacable la historia, francamente original y esos efectos especiales que nos trasportan a esos años.
Dentro del reparto lo más destacable es la estupenda Nancy Allen
¿Os acordáis?  En los años cuarenta dos soldados de la marina experimentan voluntariamente un proyecto secreto, pero un error los trasladará a los ochenta...


"Trancers"
Director: Charles Band. 1985



Esta si que es una película "carne de videoclub". Un clasicazo de aquellos años. Pura serie B, repleta de ciencia ficción, zombies y como no viajes en el tiempo. 
Lo único que queda de la película es su sabor nostálgico en nuestra memoria. Seamos sinceros, es bastante mala. Ni una jovencita Helen Hunt, ni una correcta banda sonora logra salvarla. 
Tuvo tal éxito, que tuvo unas cuantas partes más. "Guardianes del futuro" se tituló en España. 



"Biggles, el viajero del tiempo" ("Biggles, Adventures in time")
Director: John Hough. 1986



Ya puestos, seguimos con otro "clásico" de los ochenta, de los programas dobles y del videoclub.

En este caso asistimos a la historia de un chico que averigua que tiene un hermano gemelo en otra época, y encima es piloto de combate de la Primera Guerra Mundial.
Viajes en el tiempo, mundos paralelos, la película se ve francamente bien. Hace muchísimo que no la veía y tenía el temor de perder el grato recuerdo. Pero ha sido un grata sorpresa descubrir una película muy entretenida y que el paso del tiempo ha respetado. 

Supongo que el interesante John Hough tiene la culpa. Este director tiene dos muy buenas muestras del cine de terror: "La leyenda de la casa del infierno" (1973) e "Incubus" (1981).


¿Alguno se acuerda de esta canción? 






"El vuelo del navegante"  ("Flight of the navigator)
Director: Randal Kleiser. 1986



El director de "Grease" y "El lago azul", logra una película francamente interesante y entretenida. Una de esas que llamamos de "sesión de tarde". 
Cine familiar bien resuelto, que sigue el camino de las producciones de Spielberg. 

La historia de un niño que por un golpe queda inconsciente, despertando ocho años después, dado por desaparecido. Aventuras y ciencia ficción made in Disney, se unen para pasar un rato francamente bueno.




"La chica que saltaba a través del tiempo" ("Toki wo kakeru shôjo")
Director: Mamoru Hosoda. 2006.



Una de animación para terminar este repaso. 
Uno de los directores más interesantes de los últimos años, realiza una estupenda película
Una original, divertida y fresca historia. Makoto, una chica muy guapa pero que tiene muy mala suerte. Todo le sale fatal, incluso rompe un extraño aparato que le otorga el don de saltar en el tiempo, pasado o futuro cuando ella desee. ¿Un don o una maldición?

Una película, un soplo de aire fresco, para un director a seguir. Su última película, que próximamente se estrenará (o eso espero), es una buena muestra de ello "Wolf  Children"



Un libro

"Un yanqui en la corte del Rey Arturo". Mark Twain.



Estupenda novela, de uno de los escritores de aventuras más grandes de la historia. 



Su argumento es muy conocido: Un joven norteamericano del siglo XIX viaja a través del tiempo al siglo VI en pleno reinado de Arturo. 
El joven es condenado a morir en la hoguera, pero un eclipse de sol hace que que salve y se le atribuyan poderes. 
Al principio este joven no comprende qué sucede, pero en seguida se adapta y empieza a derrochar sus conocimientos para crear multitud de cosas y situaciones que considera necesarias pero que la población "Artúrica" encuentra muy disparatadas. 
Un clásico que tuvo su versión cinematográfica en 1949, en la película homónima de Tay Garnett, interpretada por Bing Crosby y Rhonda Fleming.


  




Un cómic.

"Barrio lejano". Jiro Taniguchi.




El maestro japonés aquí realiza su mejor trabajo, en esta portentosa historia de la vuelta a casa, de recuperar la memoria, la juventud y el pasado.

Muy emocionante, es una auténtica maravilla.

Dejaros llevar por el talento de este autor, caereis rendidos ante la genialidad de sus obras.






 















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Halloween ..... Truco o Trato.

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Halloween.... Víspera de todos los Santos, es decir, "All Hallows' Even"

Frase celta, inglesa, escocesa o de donde sea. El caso es que estamos ante una fiesta mundialmente conocida y que cada año va creando más y más adeptos.
Solo hace falta ver como están muchas tiendas de nuestra ciudad. Es imposible no ver a la inconfundible Calabaza, con esa sonrisa tan malvada que hace las delicias de pequeños y mayores. 

Quedan tres noches, y en muchas casas se celebrará, o por lo menos algún detallito tendremos. Buena culpa de ello, es de los más pequeños. Que se lo pregunten a mi hija que ha conseguido que me transforme en "El Príncipe de las Tinieblas", ríanse de Bela Lugosi o Christopher Lee...

En estos días que falta para llegar a esta cita, os voy a recomendar unas películas de terror menos conocidas y que merecen mucho la pena.
El terror, el miedo, es muy personal. Cada uno de nosotros tenemos nuestros propios temores e inquietudes.
Y sobre todo películas de terror, hay muchas, cientos de ellas. Algo tiene que tener este género que seamos muchos los que nos guste pasar un mal rato. 
Pero como todo, entre tanta abundancia, hay mucha basura. Cada año se realizan muchas producciones de las cuáles se salvan solo unas pocas.
Por cierto, es tan subjetivo esto del miedo, que el año pasado publiqué una lista de películas, que repasando ahora alguna de ellas, ya no me gustan tanto. Hasta me dejé fuera esta maravillosa película que os voy a comentar ahora. Aquí

Hoy empiezo con un plato fuerte, una película que NO se estrenó en nuestro país. Otro caso más de la ceguera de los distribuidores, y que por ejemplo va a suceder con una interesentísima propuesta como "The Cabin in the Woods"

Posiblemente la mejor película de Halloween, con el permiso de la obra de Carpenter.
Una de las mejores películas de terror de los últimos años.
Divierte, aterra, pura noche de Todos los Santos, con todos ustedes...."Truco o Trato" ("Trick´r Treat". 2007)



 

Desde los primeros y magníficos títulos de crédito, asistimos a una película diferente. La producción es del 2007, pero como vemos, parece una película de los años ochenta. 
Tremendamente cuidada en detalles, es como si Spielberg hubiera realizado su película de terror. 

A nuestra memoria nos viene los recuerdos de "Creepshow" o de aquellos maravillosos "Cuentos Asombrosos" ("Amazing Stories").

La película nos cuenta varias historias entrelazadas, en donde se mezcla en mejor terror posible, con un fino humor negro estupendo.
Rebosante de escenas y momentos para el recuerdo, en tan solo una hora y veinte minutos asistimos a un festival con un ritmo endiablado, que no nos deja respiro alguno. 

 
El guionista y director, Michael Dougherty construye una película llena de fantasmas, de monstruos, de hombres lobo, de asesinos en serie, etc. Todo cabe en esta historia tan bien pensada y plasmada en la pantalla. 
Sorprende que sea la única película de su director. Una obra que ha ganado muchos adeptos, creando una legión de fans muy importante. 

Aparte de su espléndido guión, la película cuenta con otra baza y es su poderío visual. La recreación de esta noche de Halloween es maravillosa y magistral. La puesta en escena es asombrosa.

La fotografía con unos colores cálidos, en donde predomina el naranja, nos sumerge en un ambiente onírico, inocente y terrorífico




Es lo más fiel a Halloween que haya visto jamás. Y sin olvidar la excelente música, un gran acompañamiento a la historia. 

Llena de estupendos momentos, cuenta con una figura inolvidable. Ese pequeño monstruo que aterra a este pequeño pueblo, y en especial al personaje interpretado por Brian Cox, es ya uno de los iconos del cine de terror moderno.
También cabe destacar la presencia de la actriz Anna Paquin, la Sookie de "True Blood". Una "caperucita roja" algo diferente...

Todas las historias son buenísimas, pero de elegir una, me quedo con la del autobús y los niños ahogados. A través de un excelente flashback asistimos a una tremenda historia. 

Una película diferente, que no tiene nada que ver a las últimas y tan sangrientas propuestas de Alexander Aja, o el "Hostel" de Eli Roth, o a la saga de "Saw", o al supuesto terror de otra saga tan lamentable como "Paranormal activity"



"Truco o trato" es un viaje al pasado, a películas como "Los Goonies", "Noche de Miedo" o "Historias de la Cripta".
Un alegato en favor de aquellas películas no tan lejanas de John Carpenter, Tom Holland, Wes Craven o Tobe Hooper entre otros.  

Terror sin grandes dosis de hemoglobina, lleno de suspense y tensión. Rebosante de una atmósfera especial.

Una excelente película que nadie se debería perder, sobre todo los amantes del género. Una joya.


Trailer, "Truco o Trato"




Marilyn Manson. "Sweet Dreams".

Por último, os dejo con esta versión que suena en la película.






Lucio Fulci.... Happy Halloween.

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Hoy finalizo mis recomendaciones, para esta noche tan terroríficamente cinematográfica. 
Después de la estupenda "Truco o Trato", quiero presentaros a uno de los reyes del "giallo". Junto con Dario Argento el mejor exponente de este género italiano.

Lucio Fulci. Cine de Terror para Adultos.

Antes de nada recordemos lo que es el "giallo", una palabra que define a un género mezcla de terror con thriller.
Este "giallo" se debe a que ciertas producciones italianas de este género, están basadas en una colección de novelas de la década de los 30, cuyas portadas eran de color amarillo. "Giallo" en italiano = amarillo.
No es muy difícil reconocer un giallo. Su construcción visual es muy característica, llena de excesos, recreándose en la violencia, abusando del tema de la locura y del subsconsciente... Guantes negros, navajas y bellas mujeres.

Fulci siempre ha sido un director denostado por la crítica. Sus producciones han sido literalmente masacradas. Es verdad que no estamos ante un director que tenga una filmografía excelente, en mi opinión son muy pocas las películas que se pueden salvar. El director italiano ha realizado de todo, series B, de terror, buenas, malas y espantosas. 

Su precariedad en los medios, es compensada por su estupendas ambientaciones, ambigüedades, suspense, y puesta en escena.

Son películas de programa doble. Aquellas que veíamos junto con alguna de "chinos", o incluso cuando nos colábamos para ver una clasificada "S". Eran otros tiempos...

Debe ser por aquellos años, pero tengo especial simpatía por este director. Y eso que algunas películas son infumables, pero dentro del género del terror tiene bastantes películas que merecen mucho la pena. 
Recientemente se le ha empezado a considerar como uno de los indispensables, sobre todo debido a una cierta parte de la nueva crítica y al reconocimiento de alguno de sus "colegas" como Quentin Tarantino, fan absoluto del italiano. Y es que el director norteamericano, ha declarado en más de una ocasión, su fascinación por la obra de Fulci. Incluso contribuyó a la reposición en los cines de su mejor película.


Películas Halloween 2012. Especial Fulci.


"El más allá". ("L´aldilà". 1981)



Su mejor película. La que reestrenó Tarantino en el año 2007.
Una extraordinaria visión del terror y horror, máximo exponente de su director.  

Una película anárquica, como casi toda su obra. El argumento "brilla por su ausencia". El mismo director dijo: "Mi idea es hacer un film absoluto. El más allá es un film sin argumento, no hay lógica, solo una sucesión de imágenes"
Totalmente cierto, aunque yo veo algo más cuidado su guión que en sus otras películas.

La historia

Poco puedo contar de ella, ya que es mejor no desvelar nada. Pero el caso es que estamos ante una película con un sótano construido sobre una de las Siete Puertas del Infierno. Estas puertas son una conexión entre el mundo de los vivos y los muertos.

Con esta premisa la película está repleta de sangrientas muertes, llena de horror. Con un gore, de recursos limitados pero bien realizado. 
Pero sobre todo, lo mejor, y que Fulci es un maestro, es la ambientación. Un pequeño pueblo, con una atmósfera inquietante, extraña  y sobrenatural. Repleta de escenas oníricas, algunas de ellas incomprensibles. Incluido su fascinante y recordado final. Memorable

Todas las morbosas obsesiones de Fulci, se unen en esta película.
 Un viaje al interior de la mente del director.
  Apocalíptica y tremendamente imaginativa.




 

La gran virtud de Fulci es, realizar una espléndida película sobre un guión lleno de fallos y lagunas. Pero lo dota de tal atmósfera, que realmente da miedo. Visualmente es tremenda, logra en muchas ocasiones llevarte a una irrealidad tan palpable como creíble. 
Seguramente que sea desagradable, sus muertes no son para todos los estómagos, pero Fulci nos sumerge en una pesadilla difícil de olvidar.
Una de las mejores películas de terror que hayamos visto. 

Lucio Fulci inventa el Mal absoluto. Un Infierno enfermizo pocas veces superado. 



"Angustia de Silencio" ("Non si sevizia un paperino". 1972)

 

La otra gran película de Fulci
En esta ocasión si que hay un buen guión. Dentro de lo descabellado y rocambolesco de los "giallo", aquí tenemos una buena historia, plasmada de manera excelente por el director. 
En este caso un asesino en serie, en pleno campo italiano, que se dedica a matar..... niños.

Como en otras películas visualmente es muy buena, realmente asombrosa. Muy cuidada la producción, la fotografía y la música son estupendas. 
Una película que tuvo un presupuesto razonable y se nota. Incluso en el reparto, aparte de la estupenda (en todos los sentidos ) Barbara Bouchet, nos podemos encontrar con Irene Papas




Extraordinaria película llena escenas magistrales, con una descripción de los personajes y del ambiente rural espléndida.

Llena de tensión y terror con una parte final insuperable (por no comentar su siniestro comienzo), es título a reivindicar dentro del género. 




 "Aquella casa al lado del cementerio" ("Quella villa accanto al cimitero". 1981)



En esta seré claro, no me parece una excelente película, pero fue uno de mis miedos infantiles. 
Recuerdo una y otra vez, el "Próximamente" en el cine. Aquel cartel me asustaba, era mi peor pesadilla. 
Y es que este poster es fabuloso. Uno de los mejores de aquellos años y del cine de terror. 
Y luego está el título, joder, que fuerte para un niño de nueve años..

Como película, de nuevo es puro Fulci. El guión es desastroso, pero su poderío visual y ambientación es francamente bueno. 

Un título mítico en donde hay muertes, y muchas. Por cierto, a Fulci se le acusa de misógino. El que vea esta película tiene argumentos para ello. Las muertes de mujeres se suceden en la pantalla, cada vez más truculentas. 
En definitiva una película muy cuidada. ¿Merece la pena? Por supuesto, es una buena muestra para pasar un rato terrorífico, porque miedo da y mucho.
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Lucio Fulci, odiado y amado. Único e inimitable. El rey del "giallo", del gore.
Un anarquista del terror que no dejará indiferente nadie. 






Por último solo me queda decir Feliz Halloween a todos!
Ya sabéis, no dejéis la puerta abierta y mirad debajo de la cama, nunca se sabe donde puede estar el Mal....













Shotgun Stories.... America rural y profunda.

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"La América rural es aburrida". No recuerdo donde oí esta frase, pero la realidad es, que quien la pronunció no podía estar más equivocado. 

Siempre me ha fascinado ese modo de vida tan lejano al que normalmente conocemos. Pequeños pueblos en donde el tiempo parece haberse detenido, un entorno mucho más relajado que el habitual, ambiente natural, gente amable, etc.
Pero también existe el "lado oscuro". Secretos y venganzas se mezclan en el ambiente. Violencia invisible que altera en muchos momentos esa paz y esa quietud. 

Y de esa violencia y esos secretos, es de lo que trata la excelente ópera prima del director Jeff Nichols

Tras la estupenda y apocalíptica Take Shelter (2011), tenía pendiente ver su primera película, Shotgun Stories (2007)

Shotgun Stories


Ya desde el comienzo asistimos a unas absorventes y bellas imágenes de campos de algodón, de trigo, carreteras secundarias, etc. 
Con una estupenda música envolvente, el joven director nos sumerge en esa América rural y profunda, en uno de los anónimos lugares que tanto abundan en los Estados Unidos.


La historia

La película nos narra el enfrentamientos entre dos grupos de hermanastros, y la violencia que surge a raíz de la muerte del padre que tienen en común. 
Tres hermanos, un padre violento que nunca existió para ellos, y una madre que no quiere saber nada y que les ha "educado" con una palabra clave, el odio.
Tremendo el momento en el cual el protagonista e hijo mayor (Michael Shannon) se dirige a su madre con estas palabras: 
 "Nos enseñaste a odiar a esos chicos y eso hicimos. Y ahora este es el resultado"


Odio y violencia

Es realmente destacable como el director y guionista nos sumerge en una historia cargada de violencia, pero sin mostrarla explícitamente.
Parece una historia sin más, en la que sucede poco o muy poco. Pero nada más lejos de la realidad. Debajo de este "aburrido" pueblo, se esconden muchas historias de las cuales poco sabemos, pero que Nichols nos las muestra muy sutilmente, sin contarnos nada, pero ofreciéndonos mucho. 
Y es aquí donde el director sale victorioso. La historia sobre el papel no es nada original, pero a través de sus imágenes y con la forma de contarla es donde se hace grande.

Shotgun Stories


Llena de miradas, gestos y silencios, nos ofrece una dolorosa narrativa en contrapunto de unpaisaje, tan calmado como inquietante.  

La manera de rodar es calmada y sin prisas. Hay que paladear esta historia, repleta de sentimiento y de dolor.

Michael Shannon
Vista ahora esta interpretación, se puede afirmar que el Curtis de "Take Shelter" es una especie de continuación del Son Hayes, el hermano mayor de "Shotgun Stories". La interpretación de Shannon, es espléndida, un actor muy interesante con un físico especial, que se merece el mayor de los reconocimientos por estas dos películas.
Ya desde la primera y demoledora imagen en donde aparece, vemos a un hombre diferente. Su espalda llena de cicatrices está repleta de secretos. 
Un personaje derrotado, pero que tiene claro a quien defender y el concepto de una familia que nunca ha tenido y que corre el riesgo de perder. Es aquí donde se nota la falta absoluta de un padre y de una madre. El retrato de los tres hermanos con esta carencia es realmente demoledor. 
Una de las mejores escenas de la película es aquella en donde los tres se encuentran sentados en plena calle, como si de un pueblo fantasma se tratara. Impresionante. 
Shotgun Stories
Como curiosidad, estos tres hermanos carecen de nombres propios. Es realmente terrible. Ellos se "llaman" Son (hijo), Kid (muchacho) y Boy (niño). Y es que el total abandono de los padres y la falta de amor y cariño, es una clase de violencia tremenda, llena de una incomunicación que posteriormente se hace palpable en las relaciones adultas.

La atmósfera de la América Rural, como aliado esencial en el climax de la película.


Muy interesante y acertado es como se cierra la película. Lo que podría haber sido una espiral de violencia, se salda de otra manera. Al fin y al cabo lo humano y familiar también tiene cabida entre estos seres. 
Pero esa violencia no queda del todo olvidada, su ausencia nos inquieta aún más. El hermano "cobarde" es el que finaliza? estos odios. Boy un niño grande e inocente que no quiere más problemas, tan solo que pase su vida, de la que no es partícipe desde hace muchos años.  


Abstengase espectadores acostumbrados a ritmos y montajes frenéticos,  "Shotgun Stories" está rodada con calma, pero sin olvidarse de la historia, llena de desesperación, venganza, odio y rencor. Repleta de personajes reales, de carne y hueso.

Shotgun Stories


Estamos ante uno de los directores más interesante que han aparecido en los últimos años.
Jeff Nichols, se dioa conocer con su inquietante“Take Shelter”, y acaba de presentar en Cannes su última película“Mud”, protagonizada por Matthew McConaughey, y de nuevo con Michael Shannon. Las críticas han sido muy buenas y esperamos su estreno impacientemente. 

Pero no nos olvidemos de esta humilde, auténtica  y excelente película, "Shotgun Stories", una ópera prima de un nivel muy superior al que estamos acostumbrados. Quedaos con este nombre, Nichols, Jeff Nichols.  

La América Rural, un tema lleno de buenas películas. Que se lo pregunten, por ejemplo a las Malas Tierras (1973) de Terrence Malick, o a "Una Historia Verdadera" (1999) de David Lynch. Dos obras maestras inolvidables.


Trailer. Shotgun Stories:



Shotgun Stories

Shotgun Stories

Shotgun Stories

Shotgun Stories

Shotgun Stories

Shotgun Stories

Shotgun Stories

Shotgun Stories

Shotgun Stories

Shotgun Stories

Shotgun Stories



El Ultimo Tren a Katanga... Aquellos Programas Dobles

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Sirva esta pequeña entrada para homenajear a aquellas sesiones de programas dobles que tantos ratos tan maravillosos nos hicieron pasar. 

Eran los finales de los setenta, principios de los ochenta, y asistíamos al cine con la mayor de las ilusiones, con la inocencia de la niñez. Allí nos empapábamos de todas las películas que nos ofrecían aquellos inolvidables Cines de Barrio.  En concreto y en mi caso, mi querido y desaparecido Cine Babón.

Aquel mítico slogan.. "En continua desde las 4". Oh! Entrabamos y veíamos aquellas películas varias veces, incluso se podía entrar en cualquier momento, viendo el final y luego el principio, una maravillosa locura. 


El caso es que ayer volví a ver una de aquellas míticas películas, de las que más recuerdo. La tengo marcada a rojo y fuego en mi memoria.
La recordaba mucho más violenta de lo que es, el caso es que hoy vista se ha quedado como una entretenidísima película llena de buenos momentos, una de las preferidas de Quentin Tarantino o incluso de ¡Martin Scorsese!
Con todos ustedes .... "El Último Tren a Katanga" (Dark of the Sun - The Mercenaries. 1968)


El ultimo tren a Katanga



Es difícil comentar una película sin dejarse llevar por esta añorada nostalgia, pero el caso es que esta película está francamente muy bien.
Se podría englobar dentro aquel boom de películas bélicas de los finales de los sesenta como "Doce del patíbulo (Robert Aldrich. 1967)", "La brigada del diablo (Andrew V. McLaglen. 1967)" o "El desafío de las águilas" (Brian G. Hutton. 1969), entre otras. Pero el caso es, que la película de Jack Cardiff, se desmarca claramente del resto. No es un relato convencional, en ella podemos encontrar una película más dramática de lo habitual, una especie de descenso a los infiernos, al más puro Corazón de las Tinieblas de Conrad, una sobrecogedora mirada a la barbarie del ser humano. 

El título original, el magnífico "Dark of the Sun" es muy apropiado para esta película dura, áspera y sin concesiones, repleta de estupendos diálogos.


La historia

Un grupo de mercenarios liderados por Curry (Rod Taylor) y con la compañía de su inseparable Rufo (Jim Brown),  son contratados por el Presidente de la República del Congo Belga, en plena guerra civil, para rescatar a las personas de una aldea situada en pleno territorio rebelde. Pero en realidad, el verdadero interés es traer una caja fuerte llena de diamantes. Para ello utilizarán un tren cruzando la peligrosa selva...

Basada en una novela del escritor africano Wilbur Smith la acción de la película está situada en la República del Congo.
En este contexto brillan con luz propia dos hombres, el mercenario blanco, un profesional que también se preocupa de los suyos (no como las fuerzas de las Naciones Unidas, buena crítica la que vemos), y un nativo de allí, un idealista congoleño que cree en la recuperación de su país.
Sin olvidarnos de otros personajes como el de un oficial nazi (Peter Karsten), tan delirante como malvado, y del médico y héroe borrachín (Kenneth More), capaz de vender su vida por una caja de este licor o por salvar una vida humana. 

El ultimo tren a Katanga


Malditos Bastardos

En un momento de la película uno de los intérpretes pronuncia esta frase. ¿Os suena verdad? Tarantino tomó buena nota, incluso dicen que durante el rodaje de su película homónima la proyectaba muchos días a los miembros del rodaje. 

Mercenarios, negros nativos, nazis, médicos borrachos de buen corazón, curas, francesas en medio de la selva (Yvette Mimieuax, que por cierto su presencia es más bien testimonial aportando poco a la historia), sangrientos asesinos rebeldes, etc. Todo cabe en esta película. 


Repleta de acción, con momentos realmente duros y violentos. Muertes de niños, violaciones, mutilaciones, incluso cuenta con una singular pelea con una sierra mecánica. 


Me gusta mucho como están construidos los personajes. Son muchos los momentos en donde los fantásticos diálogos se convierten en protagonistas, convirtiéndose estos un un discurso demoledor. 
Las escenas entre el cínico Rod Taylor y su amigo, Jim Brown, son estupendas. El papel reflexivo de Brown es clave en la película. Aquel diálogo reivindicativo al derecho a vivir debajo y no encima de los árboles es de lo mejor de ella.
Descatable es la incursión en el reparto de Jim Brown, uno de las primeras estrellas afro americanas de Hollywood, jugador del equipo de fútbol americano Cleveland Browns. Uno de los actores principales que dio pie a aquel movimiento blaxploitation de los años setenta. 



El rifle es chino, pagado con rublos rusos. El acero con el que se ha fabricado es de la Alemania del Este y se compró con francos franceses. Ha viajado hasta aquí en una línea aérea africana subsidiaria de una empresa estadounidense. Deja su cuerpo aquí. No está lejos de casa

El ultimo tren a Katanga


La música

Aspecto destacable es su banda sonora a cargo del francés Jacques Loussier, la misma que utilizó Tarantino para sus "Malditos Bastardos", un claro homenaje a la película. A la vez incluyó al propio Rod Taylor en el papel de Churchill.

El descenso a lo primitivo por parte del mercenario blanco está narrado de una forma excelente.

Otro acierto más de la película es su desenlace final y la posterior reacción de uno de los soldados congoleños, reprochándole al personaje de Rod Taylor lo que ha cometido. Otra barbarie más, otro acto vengativo que se ha asemejado al de sus propios enemigos. 


Una secuencia que siempre recordaré, no obstante es la que siempre me ha acompañado desde que la vi en mi niñez, es la terrible imagen del vagón repleto de los ciudadanos rescatados. Desenganchado a causa de una explosión, vemos como retrocede de nuevo a la aldea, al infierno de los rebeldes en donde el vagón será masacrado. 


Concebida a modo de western, los rebeldes serían los indios, el protagonista el vaquero y su amigo el indio bueno, y el tren sería los caballos por el desfiladero, el director inglés Jack Cardiff, logra una película muy peculiar y entretenida.
Un estupendo director de fotografía en grandes películas como "Narciso Negro" y "Las zapatillas Rojas" de Michael Powell y Emeric Pressburger, "La Reina de África" de John Huston, "La condesa descalza" de Mankiewicz, "Guerra y Paz" de King Vidor o "Los Vikingos" de Richard Fleisher entre otras. 
Como director tuvo una carrera muy corta en donde destaca sobre las demás su colaboración con el maestro John Ford en "El soñador rebelde" (Young Cassidy. 1965)

El ultimo tren a Katanga



Por último el título en español. Para variar nada que ver con el original, ni siquiera la palabra Katanga aparece en toda la película.
Al parecer hay una confusión histórica entre la que cuenta la película (La revolución Simba 1964-1965), y otra la de Katanga (1961-1964). 
Supongo que los que ponen los títulos en español, tampoco saben de historia... Me quedo con el "Dark oh the Sun" un estupendo título para una película con un excelente ritmo, llena de inusitada violencia para su época y que afortunadamente no ha envejecido. Un clásico de los programas dobles. 


El ultimo tren a Katanga

El ultimo tren a Katanga


El ultimo tren a Katanga

El ultimo tren a Katanga

El ultimo tren a Katanga

El ultimo tren a Katanga

El ultimo tren a Katanga

El ultimo tren a Katanga

El ultimo tren a Katanga

El ultimo tren a Katanga

El ultimo tren a Katanga

El ultimo tren a Katanga

El ultimo tren a Katanga

Rod Taylor Malditos Bastardos
Rod Taylor como Churchill en "Malditos Bastardos"

Cine Babon Valladolid
Mi querido Cine Babón

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